BARCO ABANDONADO . Fernando Alonso Barahona


 

BARCO ABANDONADO O LA TRAGEDIA DE SOBREVIVIR

Fernando Alonso Barahona

 

¿Es lícito sacrificar una vidas para salvar a la mayoría?

Un buque de lujo sufre un accidente y los supervivientes se agolpan en un bote salvavidas. La situación se vuelve difícil y no hay lugar para todos. El segundo oficial jefe asume el mando tras la muerte del capitán y tiene que tomar una decisión tremenda: dejar que todos –incluidos inválidos y heridos– sigan en el bote o abandonar a los débiles para que los más fuertes puedan sobrevivir. El grupo es variopinto, un general del ejército, una cantante de ópera, un intelectual, un jugador de ventaja, una enfermera… Todos han de enfrentarse a un destino cruel, decidir quién debe salvarse, aunque eso suponga condenar a los compañeros menos afortunados.

Richard Sale, oscuro pero interesante novelista, guionista y autor de series B tan extrañas como Málaga (1954)  o entrañables como Pero se casan con las morenas (1955), fue el director de Abandon Ship, una producción independiente de Ted Richmond (productor asociado en aquellos años con Tyrone Power), que se ha convertido con el paso del tiempo en una obra maldita, insólita, atrevida y absolutamente fascinante.

Cine minimalista que desarrolla su historia en el ambiente claustrofobia de un bote salvavidas en alta mar, cine psicológico (como Náufragos de Hitchcock, que plantea un escenario similar) que describe comportamientos de varios tipos humanos en una situación límite, y cine de ensayo y pensamiento por cuanto plantea un tremendo problema moral y ético: ¿es lícito dejar de prestar ayuda a determinadas vidas humanas para salvar al resto? Al fín y al cabo lo que el capitán decide en una aplicación de la teoría de Darwin es dejar a su suerte a los débiles para que los más fuertes puedan sobrevivir. Se supone que la alternativa –cuando se comprueba que no hay sitio ni alimento para todos– es la muerte de todos los supervivientes. Los debates morales no dejan de dibujarse en la película: el artista genial enfermo cuyo arte no sirve para sobrevivir, ¿ha de dejar su lugar al mediocre pero fuerte que podrá remar en el bote? La madre enferma separada de su hijo pequeño y abandonada en el mar… ¿para así salvar la vida del niño que se antoja más importante? Inquietantes los dramas morales.

Tyrone Power, en uno de sus más impresionantes –y poco conocidos– papeles dramáticos, encarna a la perfección al capitán que ha de tomar la decisión impelido no por su voluntad, sino por su propia responsabilidad como máximo mando de los supervivientes. Además el pulso no le tiembla cuando es herido y él mismo se excluye de los que deben salvarse ya que en ese momento ha dejado de poder valerse por sí mismo. Ty demuestra una vez más lo extraordinariamente buen actor que era aunque en su época algunos no se percataran de ello.

Como ya hemos apuntado además la película plantear otro conflicto inquietante, ante una circunstancia difícil no todas las cualidades sirven, el artista o el científico que no saben valerse por sí mismos o están heridos contemplan como no pueden utilizar su talento. Pero el analfabeto puede ser fuerte y resultar imprescindible para salvar la situación o su propia vida. Todo este cúmulo de reflexiones no olvida el componente moral: ¿Es lícito el sacrificio de una vida para salvar otras?, ¿puede el hombre suplantar la providencia divina? Por otra parte, la reacción de los hombres – masa, aquellos que se apuntan a la mayoría y luego cambian cuando aquella torna su signo, resulta descorazonadora y tremendamente efectiva.

La realización es perfecta, las interpretaciones crispadas y magníficas, con un excepcional Tyrone Power a la cabeza, y el descubrimiento de la actriz sueca Mai Zetterling. Destacan también Finlay Curie (San Pedro en Quo Vadis) y Lloyd Nolan, además de Stephen Boyd, un año antes de que lograra el papel de Mesala en Ben Hur. La película se rodó en Gran Bretaña, producida por COPA, empresa creada por Ted Richmond y el propio Ty Power. El titulo de rodaje (y de estreno en tierras británicas) fue Seven waves away.

Y a su término, la irónica jugada del destino que viene a poner sobre el debate una idea cierta y de honda raigambre moral: el ser humano no puede suplantar a Dios.

 

 

Era  una película difícil de encontrar, pero acaba de ser editada en DVD. Merece la pena descubrirla, debatir sobre ella, interiorizar su formidable drama ético tan actual en nuestra vida contemporánea tantas veces carente de valores.

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Fernando Alonso Barahona . CENTAUROS DEL DESIERTO . EPICA Y POESIA DEL CINE


CENTAUROS DEL DESIERTO . JOHN FORD Y JOHN WAYNE 

Fernando Alonso Barahona 

 

El cine es el arte de la imagen aunque la palabra sirva para adornar las miradas y conducir la acción .  John Ford, el más grande artista del Séptimo Arte era un poeta que no tuvo necesidad de acentuar su poesía, le bastó con mirar a través de la cámara y dibujar emociones, épica, personas, sentimientos, aventuras en sus espectadores .

Centauros del desierto se abre con la imagen de Ethan (John Wayne sublime ) recortada en el horizonte y dando inicio a la historia . Y se cierra con la imagen de nuevo del héroe cansado que ha de marcharse en el mismo horizonte después de haber encontrado el final de su búsqueda . Y a la vez percatarse de su soledad .

 

Centauros del desierto está basada en un hecho real  ; una niña  Cynthia Ann Parker, raptada por los indios en 1836. Su tío, James Parker, estuvo más de una década intentado encontrarla. La niña creció y se convirtió en Nautdah, la esposa del célebre guerrero Peta Nocona. Tuvo tres hijos. Uno de ellos se convertiría en una leyenda entre los comanches: Quanah Parker. Casi un cuarto de siglo después de su rapto, la caballería arrasó el campamento donde se encontraba y la llevó nuevamente a vivir entre la población blanca .

Sobre este argumento Ford construye – con la ayuda del guión de Frank S. Nugent –  un western mítico y a la vez profundamente humano . El  héroe que regresa al hogar anhelado pero donde la mujer que ama  está casada con su hermano  . Maravilloso ese plano en el que su cuñada, le mira y le besa con dulzura a su llegada a la cabaña.  Después toma entre sus manos su capa de soldado ante la mirada del  reverendo que interpreta Ward Bond y que demuestra conocer el secreto de la perdida historia de amor .

 

Y poco después  su sobrina ( Natalie Wood )  será  raptada por los indios .   Encontrarla se convierte en su obsesión : años de búsqueda , persecuciones, violencia, soledad …hasta que el encuentro se produce y aunque su primera idea es acabar con la joven profanada cuando la levanta entre sus brazos y los rayos de sol acarician el rostro de la muchacha , todo cambia . Un plano simple de incalculable belleza . Pura poesía hecha imagen . Ford , como Hitchcock, Lang, De Mille, Hawks, Vidor, Mann , Renoir , Walsh , Fellini, Dreyer , Visconti, Mizoguchi , McCarey ,  solo necesita una mirada, una luz , un gesto, para transmitir belleza . Es la esencia del cine .

 

Centauros del desierto fue una película popular en su estreno ya que John Wayne era una estrella y el “western “ se encontraba en su apogeo ( Rio Rojo, Solo ante el peligro, Winchester 73, El hombre de Laramie, Johnny Guitar, El hombre del Oeste, Raices profundas, Rio Bravo ……) pero no fue valorada por una crítica miope incapaz de comprender la inusitada belleza de sus propuestas .  En los años setenta del siglo pasado  fue reivindicada por una nueva generación de directores encabezados por Spielberg , Coppola, John Milius, Wim Wenders o  Scorsese.  Hoy es considerada una de las grandes obras maestras del Septimo Arte .

Brillan en la película todos sus elementos técnicos, la fotografía de Winton Hoch, la banda sonora de Max Steiner, el reparto con Vera Miles   y tantos habituales de Ford : Jeffrey Hunter, Ward Bond, Harry Carey jr, Patrick Wayne, Hank Worden, Jack Pennick ….

Y está por supuesto el gran John Wayne  . Sin  duda  no solo uno de los más grandes actores de la historia del cine, sino uno de los que más personajes inolvidables han encarnado  : baste recordar su Ringo Kid en “La diligencia “, el capitán Tolliver en “Piratas del mar Caribe “ (Cecil B. De Mille , 1942 ) y por supuesto su colección de obras maestras a las órdenes de John Ford : La legión invencible, El hombre tranquilo , Centauros del desierto, El hombre que mató a Liberty V alance ….) y Howard Hawks : Rio Rojo, Rio Bravo, Hatari, Eldorado . Todo ello sin olvidar por supuesto al mítico Davy Crockett en “El Alamo “ dirigida por el propio Wayne en 1960 y que continua siendo una de las mejores películas de la historia del cine, y su testamento cinematográfico, la magistral “El ultimo pistolero “ (The shootist ) realizada por Don Siegel en 1976

John Wayne  refleja mejor que nadie el espíritu originario de los Estados Unidos de América, su mirada ruda pero noble, la magia de su personaje, los valores que encarnó a lo largo de más de cien películas permanecen vigentes porque eran – son – universales . Un estudio de la antropología a través del cine puede perfectamente analizar las películas de John Wayne y entreverá un modelo masculino perfectamente delimitado, un pensamiento conservador abierto a la aventura y al riesgo ( el espíritu de la frontera ), y desde luego maduro . Algunos indocumentados le llamaron reaccionario…pero como diría John Chisum mirando el horizonte lejano de las tierras y la luz del sol en el amanecer : “Las cosas suelen cambiar para mejor “. John Wayne y sus películas no son en absoluto reaccionarias sino libres, y – sobre todo – profundamente americanas .

Descubrir de nuevo o ver por primera vez Centauros del desierto es una experiencia cinematográfica que une cine y poesía, acción y humanidad . Belleza y sentimiento .

Algo en apariencia tan simple y tan maravilloso como el cine , cuando las películas eran arte y no brillantes maquinas de “marketing “ , secuelas , sagas o historias carentes de valor y carisma .

John Ford es sinónimo de cine y cuantos se acerquen a su obra sentirán emociones vivas y encontraran seres humanos , a veces contradictorios , pero a última hora positivos  . Sublime magia de la belleza capturada en celuloide pasa toda la eternidad  o al menos mientras por cualquier vía puedan seguir emitiéndose películas .

 

 

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QUISIERA SER VERSO . Fernando Alonso Barahona


 

Quisiera ser verso

para que me escribas con palabras

de amor

sílabas y versos

hasta acariciar el alma

de carne, papel y sangre .

Si fuera verso formaría parte de tu alma,

tus manos escribirían mi vida,

tus dedos acariciarían mi carne

hecha de sueños y letras ,

de música suave .

Verso impreso en piel desnuda,

entraña viva

de colores tenues,

danza de miradas perdidas,

voces rotas en tu garganta

versos dulces de amante .

Quisiera ser verso eterno

en ti ,

nacer en tus ojos y escribirme

en tu piel , para vivir .

 

FERNANDO ALONSO BARAHONA 

Cartas del silencio . Carena Editorial . 2017 

 

 

 

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OLIMPO DE CINEASTAS . Fernando Alonso Barahona


LOS GRANDES DIRECTORES DE LA HISTORIA DEL CINE
Fernando Alonso Barahona

Andrew Sarris ( 1928-2012 ) en su famoso libro American cinema , http://ebiblioteca.org/?/ver/85601 construyó una visión muy personal sobre el cine norteamericano que gozó de gran influencia durante décadas . Sarris seguía la teoría del cine de autor inventada por Truffaut y los chicos de Cahiers du Cinema años antes, si bien tamizada por su original prisma crítico .

En general Sarris acertaba en sus apreciaciones, aún con errores clamorosos como su cierto desdén por el gran Billy Wilder . Tres décadas después, en su libro You Ain’t Heard Nothing Yet: The American Talking Film, History and Memory 1927-1949, Sarris cambió su parecer respecto de Wilder y lo incluyó dentro del “panteón” que creó en The American Cinema . Algunos otros grandes directores olvidados por el escritor eran David Lean, Rouben Mamoulian, Henry King o Carol Reed .
Por supuesto Ford, Hitchcock, Hawks, Fritz Lang o Chaplin encabezaban un Olimpo del que aguardaban muy cerca Walsh, Vidor o Cecil B. de Mille .

La clasificación de cineastas norteamericanos – con inclusiones de directores del mundo ya que casi todos hicieron al menos una película en Hollywood – entre 1929 y 1968 según Sarris hizo fortuna en muchos cinéfilos de todo el mundo ( es de lamentar la posibilidad de que los aficionados contemporáneos puedan conocer muy poco de este libro y de sus apreciaciones ).
EL OLIMPO DE LOS DIRECTORES, Ya hemos mencionado a Ford, Hawks, Hitchcock, Lubitsch, Jean Renoir , Chaplin
THE FAR SIDE OF PARADISE . Los que estaban muy cerca del paraíso . Vidor, De Mille, Frank Capra. Vincent Minnelli, Douglas Sirk ….
EXPRESIVE ESOTERICA . cineastas extraños al margen de modas . Entre ellos Donen, Joseph H. Lewis, Frank Tashlin, Budd Boetticher .
LOS SOBREVALORADOS . Con la presencia de David Lean, Billy Wilder, John Huston, Rouben Mamoulian …

 

FRINGE BENEFITS . buenos directores con apenas producción en Hollywood . Chabrol, Eisenstein , Rossellini, Antonioni , Polanski.
LIGHTY LIKEABLE . artesanos y buenos profesionales sin pretensiones pero con buenas películas . John Cromwell, Delmer Daves, Henry Hathaway, Mervin le Roy , W.S.Van Dyke
CON TALENTO PERO EXCESIVAMENTE SERIOS . Dassin , Kubrick , Lumet o Robert Rossen
RAREZAS, CINEASTAS DE UNA SOLA OBRA , RECIEN LLEGADOS . Charles Laughton, Boorman , Peckinpah , o Francis Coppola
LOS COMICOS . sobre todo Jerry Lewis
CINEASTAS QUE PUEDEN ESPERAR UNA NUEVA EVALUACION . Tod Browning, Henry King …
MISCELANEA . directores inclasificables . Entre ellos John Brahm, William Dieterle …

 

 

Sin duda un clasificación discutible pero apasionante . Y no se puede resistir la tentación de ofrecer una CLASIFICACION PERSONAL .

He aquí :

EL OLIMPO : John Ford, Howard Hawks, Alfred Hitchcock, Cecil B. de Mille, Fritz Lang, Raoul Walsh , King Vidor, Anthony Mann, Leo McCarey , Orson Welles, Charles Chaplin, Billy Wilder . ( a los que fuera de Hollywood cabría añadir a Fellini, Visconti, Rossellini , Renoir, Truffaut , Dreyer, Bergman o Luis Buñuel ).
THE FAR SIDE OF PARADISE . George Stevens , Mervin le Roy , Frank Borzage, Henry King, Henry Hathaway , Terence Fisher, Carol Reed, Richard Fleischer , John Huston, Ernes Lubitsch, George Cukor , Tod Browning , John Sturges , Vincent Minelli, Douglas Sirk, Otto Preminger , Nicholas Ray .
ESOTERICA. Allan Dwan, Edgar G. Ulmer, Joseph H. Lewis, Budd Boetticher , Richard Boleslawsky, Phil Karlson, Byron Haskyn , Kurt Neumann , Robert Siodmak, John M. Stahl , John Cromwell , William Dieterle , Stanley Kubrick , Mitchell Leisen

 

LIGHTY LIKEABLE . W.S. Van Dyke , Robert Z. Leonard, Victor Fleming, Richard Thorpe, J. Lee Thompson, Stanley Donen, George Sidney , Michael Curtiz , Robert Florey , Gregory La Cava , Preston Sturges., Delmer Daves . Richard Quine .
COMICOS . Jerry Lewis, Frank Tashlin, Buster Keaton .
MODERNOS Y CONTEMPORANEOS . Francis Coppola, Martin Scorsese, Steven Spielberg, Clint Eastwood, Mel Gibson , John Milius, George Lucas, Tim Burton, James Cameron , Woody Allen , John Carpenter , Peter Jackson , Sylvester Stallone , David Lynch, Paul Verhoeven .
DEL RESTO DEL MUNDO . Rene Clair, Abel Gance , Godard, Chabrol, Julien Duvivier, Melville, Antonioni, Pasolini , De Sica , Zeffirelli , Mario Bava, Sergio Leone, Ricardo Freda , Pabst , Leni Riefensthal, Eisenstein, Dovjenko, Pudovkin, Tarkovski , Polanski, Carol Reed, David Lean, Basil Dearden, Alain Tanner, Emilio Fernández, Ismael Rodríguez, Flaherty , Fassbinder, Wim Wenders, Andrecj Wajda, Ozu , Mizoguchi , Kurosawa, Naruse .
ESPAÑOLES . Rafael Gil, J.L. Saenz de Heredia, Ladislao Vajda, Luis Berlanga , Lazaga, Ardavín, Orduña , Carlos Saura , Mario Camus, Pedro Lazaga, Forque , Erice, Jacinto Molina, Armiñán, Bardem , Borau , Bias Luna, Jose Luis Garci, Gutierrez Aragón, Pedro Almodóvar , Amenábar , Juan Pinzás, Isabel Coixet .
PIONEROS . David W. Griffith

 

 

 

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NOSTALGIA DE LOS COMICOS . RECUERDO DE MARISA PORCEL Fernando Alonso Barahona


 

NOSTALGIA DE LOS COMICOS . RECUERDO DE MARISA PORCEL

Fernando Alonso Barahona

“Allí donde muere un cómico, muere el teatro”.

El paso del tiempo –que nunca perdona los recuerdos– ha ido segando en los últimos tiempos la vida, que no la obra, de muchos de los últimos supervivientes de la raza de cómicos española. Ese grupo de hombres y mujeres cultivadores de los géneros populares y que comenzaron sus carreras en los teatros a lo largo y ancho de la geografía española.

Dos funciones diarias, viajes agotadores, obras que querían ser muy cercanas al público y ese oficio aprendido, no en escuelas de métodos y teorías, sino en el polvo y a veces en la arena de un escenario.

Muchos de ellos triunfaron y a falta de premios oficiales o de la llamada crítica, disfrutaban del calor del aplauso, sin duda el mejor regalo para un cómico de ley. Otros quedaron en el camino y algunos famosos en su tiempo esperan su merecida reivindicación. La muerte el pasado 20 de agosto de Marisa Porcel (1943 -2018), una de las más queridas e ilustres, ha servido para recordar sus inicios, su trayectoria, sus compañeros, sus horas de escenario en los más diversos lugares y lo mucho que cuesta –en definitiva– triunfar y mantenerse.

Se les llamó a menudo cómicos de la legua por su naturaleza itinerante que se remonta al Siglo de Oro español. Eran compañías pequeñas que recorrían los pueblos y habían de acampar –por orden legal– a una legua de la población donde debían actuar. Los cómicos heredaban el talento de los antiguos juglares.

Inspirado en la Institución libre de Enseñanza, se creó en los años treinta el Teatro Ambulante formado por jóvenes universitarios y dirigido por el gran dramaturgo Alejandro Casona. Y coetánea sería La Barraca creado en 1931 por Federico García Lorca y Eduardo Ugarte cuyo objetivo era llevar el teatro clásico español a los mayores lugares posibles de la geografía española.

Tiempo después, en la década de los 40, los Coros y Danzas de España recorrían también las ciudades ofreciendo su extraordinaria labor de conservación del folklore español.

Varias películas han reflejado de forma exacta y admirable ese mundo singular del cómico. Recordemos tres de ellas. La primera es Cómicos (1954), dirigida por Juan Antonio Bardem –un apellido de cómicos auténticos–, y que es una emotiva aproximación al universo de los más modestos de entre los cómicos, los ambulantes, los que deambularon en salas improvisadas y en fiestas de pueblo y para los que un teatro constituía un éxito y un lujo. Fernando Rey, Emma Penella, Elisa Galvé, Manuel Alexandre y Carlos Casaravilla encabezaron el reparto.

En 1972, Mariano Ozores –varias generaciones de cómicos desde los padres del director hasta sus nietos Adriana y Emma Ozores, pasando por los grandes José Luis y Antonio– presentó uno de sus mejores trabajos: Dos chicas de revista. De nuevo una aproximación sentimental al teatro ahora desde una de sus vertientes más populares: la revista. Música, comedia, humor, picardía y mucho trabajo tras las bambalinas y los anuncios de color. Lina Morgan –magnífica– encabezaba el reparto en el que brillaban cómicos ilustres de la categoría de José Luis López Vázquez, Manolo Gómez Bur, Antonio Ozores, José Sacristán, Florinda Chico, Rafaela Aparicio, Paco Valladares y como colofón la belleza sugerente y fascinante de Dianik Zurakowska, tal vez los ojos más bellos del cine español (el cine desaprovechó el talento de Dianik, a excepción de Los ojos perdidos (1967) de Rafael García Serrano y La marca del hombre lobo (1968) de Enrique Eguiluz.
Y en 1986 otro grande, actor, director y escritor, como Fernando Fernán Gómez (1921-2007) dirigía y coprotagonizaba El viaje a ninguna parte, otro relato lleno de autenticidad, drama y lirismo: la vida dura de los actores de los pequeños teatros que han de viajar de continuo para sobrevivir.

 

Una escena magistral: aquella en la que el personaje de Fernán Gómez –cómico de la legua– no se adapta a las películas y maldice a “los peliculeros” que están hundiendo su oficio ambulante. El magnífico reparto lo completaban José Sacristán, Laura del Sol, Gabino Diego, Juan Diego, María Luisa Ponte…

Hay otras películas interesantes , por ejemplo Las alegres chicas de Colsada, dirigida por Rafael Gil , su ultima película . Con Tania Doris, Luis Cuenca, José Bódalo, Antonio Garisa, Máximo Valverde, Carmen de Lirio, Fernando Sancho ; ambientada en la España de la posguerra es un documento interesante y lleno de emoción sobre la revista y uno de sus máximos productores, el empresario Matías Colsada.

Marisa Porcel nació en Tarazona (Zaragoza) el 15 de noviembre de 1943 e inició su carrerra profesional en el teatro de donde pasó en seguida a la TV y a las colaboraciones en películas casi siempre de comedia .
Su debut en el cine lo hizo de la mano de Julio Coll con la película ‘Viudas’. Después tuvo la oportunidad de trabajar con directores de renombre como Carlos Saura (El jardín de las delicias, Mi prima Angelica ), Jose Luis Saenz de Heredia (Se armó el Belén, Proceso a Jesus ), , Narciso Ibañez Serrador ( Quien puede matar a un niño ) o José Luis Cuerda (El bosque animado ). Pero fue la TV y el impulso de Jose Luis Moreno quien procuró su fama .

Tras intervenir en numerosos programas televisivos y series (Estudio 1 , Curro Jiménez, Cañas y barro, Farmacia de guardia, Médico de familia ) siempre como actriz de reparto saltó de repente a la fama gracias a la serie de las Matrimoniadas ( o Escenas de Matrimonio ) al lado Pepe Ruiz, que hacía el papel de su marido, Avelino, y que estuvo en pantalla entre 2007 y 2009 en Telecinco.
La química entre los dos funcionaba a la perfección y se convirtieron en estrellas de esta serie que combinaba escenas de matrimonio con tres parejas, una joven, otra de mediana edad y por ultimo la mayor con muchos años de convivencia presentados en hilarante batalla continua . Tanto Marisa Porcel como Pepe Ruiz estuvieron geniales en sus personajes sabiendo mezclar el humor a veces surrealista, la crueldad de la degeneración de las relaciones de pareja con un tono humano que al final les convertía en inevitablemente simpáticos .

Marisa Porcel tuvo posteriormente otros papeles en ficciones como ‘La familia mata’, ‘Aquí me las den todas’, ‘Noche sensacional’ y ‘La que se avecina’, ( de nuevo producción de Jose Luis Moreno ) donde se la vio por última vez, en el año 2013.
Su talento para la comedia y sus Escenas de matrimonio merecen su recuerdo, el cariño y su homenaje .

 

Madrid – ESPANA
Pepe Ruiz, Alfredo Landa y Marisa Porcel durante los pemios Jubilo 2008
© V. Anton / Enfoque – 151208
Jubilo 2008 Adwards

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EL MANANTIAL . Fernando Alonso Barahona


EL MANANTIAL O LA INTEGRIDAD DEL INDIVIDUO
Fernando Alonso Barahona

“ Le vio encima de ella , en la plataforma más alta del edificio Wynand . El la saludó con la mano .La línea del océano cortaba el cielo. El océano subía conforme descendía la ciudad Pasó los pináculos de los edificios de los bancos. Subió las torres de los templos. Después ya no hubo más que el océano, el cielo y la figura de Howard Roark “ (Ayn Rand ) .

King Vidor ( 1894-1982 ) y Ayn Rand ( 1905-1983 ) trabajaron juntos en la adaptación de la novela de la segunda, un relato voluminoso y fascinante en la que la autora de Los que vivimos , Anthem y Atlas Shrugged expresaba su filosofía individualista:

a) defensa del genio creador
b) la libre iniciativa y la libertad de elección son la base del progreso
c) El colectivismo en todas sus formas – autosacrificio , socialismo, fascismo – es el germen de la tiranía y la esclavitud .
d) Estados Unidos es la patria de la libertad y los derechos individuales sobre los que el estado no puede intervenir ni cercenar. Es la nación del mundo que más se acerca al ideal de libertad y el lugar donde cada persona puede elegir su propio destino

Ayn Rand nació en San Petersburgo graduándose en la Universidad de dicha capital en 1924. Dos años después, amenazada y perseguida por el régimen comunista logró escapar a Estados Unidos donde inició su carrera de escritora y conferenciante tratando de combinar la expresión artística con la difusión de sus ideas filosóficas el llamado “objetivismo “ En 1929 contrae matrimonio con Frank O´Connor y en 1931 adquiere la nacionalidad norteamericana . Enseguida Rand se acerca al mundo del cine y el teatro , su primer guión es Red pawn y en 1935 se representa en Broadway su obra The night of January 16 th .

 


King Vidor se sintió atraído por la historia , los personajes y su fascinante exposición del poder de la independencia creadora . Humphrey Bogart fue uno de los primeros actores en los que la Warner pensó para la película, pero finalmente el personaje de Roark recayó en Gary Cooper que lograría una de sus mejores interpretaciones. Más sorprendente fue la elección de Dominique par la que se barajaron nombres como Bette Davis o Ida Lupino, La elegida fue una joven de 22 años , Patricia Neal ( 1926-2010 ) con la que Cooper viviría un romance provocando que las escenas de amor despidieran literalmente chispas de pasión en la pantalla .

 

El manantial sintetiza admirablemente el discurso personal de Ayn Rand con el estilo de Vidor. El cineasta, en su progresiva evolución, se había acercado desde la visión aplastante de la masa en la que se disuelve el individuo : la magistral The Crowd 1928 a la valoración de los personajes carismáticos :   La ciudadela, 1937, Paso al Noroeste, 1940 y “Un sueño americano “ 1944. Por ello y aunque el punto de vista de Rand era considerado por Vidor un tanto radical, ambos alcanzaron un acuerdo en la visión de los personajes y la historia “El film era un canto a la integridad del individuo , por eso lo hice con gusto “, escribiría el director en su libro de memorias .
La película comienza con una secuencia magnífica el reiterado rechazo de los proyectos arquitectónicos de Howard Roark calificados de demasiado innovadores, de escasamente respetuosos con el modelo clásico ( hoy en día lo veríamos como la corrección política ). Este es el núcleo central de la historia : la pelea entre el hombre genial, su integridad y sus derechos contra una masa uniforme, mediocre y políticamente correcta manejada por un grupo de parásitos .

Roark – magnífico Gary Cooper en uno de los personajes de su vida – es un arquitecto fiel a sus ideas, a su trabajo y a sus convicciones , es un superhombre al que la masa y los mediocres odian porque saben que no podrán corromperle ni destruirle. Dominique – asombrosa Patricia Neal – es una mujer fuerte e independiente que destruye los objetos que ama para no sentirse atada por ellos.

 

 

Pero al conocer a Roark y comprender su grandeza no duda en unirse a aquel El plano final de la película es una imagen extraordinaria en la que la mujer sube hacia la cumbre del rascacielos en cuya cúspide se encuentra, majestuoso e invencible, Howard Roark. Se trata de uno de los momentos más excitantes y geniales de toda la historia del cine. La otra figura del triángulo es Wynand (Raymond Massey ),el hombre hecho a sí mismo que ha triunfado y es poderoso pero debe su poder a que entrega a las masas lo que quieren escuchar en cada momento y ha perdido su integridad personal . Wynand es la contrafigura de Roark y cuando aquel comprende que ha equivocado su camino y ha fracasado en su proyecto (“Ahora he comprendido que son las masas las me dirigen a mí y no yo a ellas “ ) se suicida. Wynand envidia y admira a Roark por ser lo que él mismo pudo ser y no se atrevió a alcanzar y desprecia a sus asalariados mediocres (la patética figura del arquitecto Keating – Kent Smith – que se aviene a todo compromiso y es incapaz de crear) .

El estilo visual de El manantial es magnífico con un Vidor en su mejor etapa artística ( había realizado Duelo al sol en 1946 y tras su adaptación de la obra de Rand dirigiría obras maestras como Pasión bajo la niebla 1952, Guerra y paz 1956 y Salomón y la reina de Saba 1959 ) .
El romance entre los personajes de Gary Cooper y Patricia Neal – que se prolongó durante un tiempo en la vida real – se palpa en las imágenes de esta película La escena culminante es el juicio al que es sometido el arquitecto brillante por haber destruido la obra que ha sido adulterada sin su consentimiento Allí Roark pronuncia su célebre discurso en contra del colectivismo y en defensa de la integridad individual, la búsqueda de la excelencia y el amor a la libertad .
El manantial es una obra maestra , romántica y libre , una película a redescubrir que vista hoy conserva la misma actualidad – más si cabe por el desdichado imperio del pensamiento único y la corrección política – que en la fecha de su estreno .

 

 

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POEMA DE PIEL . Fernando Alonso Barahona


 

POEMA DE PIEL
Fernando Alonso Barahona
Carena Editorial . 2017

La poesía se hizo palabra en tus labios
imagen en tus ojos negros .
Un poema de sangre y de carne ,
sensualidad , belleza y silencio ,
versos tejidos con letras de vida,
gozo  y esperanza .

Las sílabas del verso se encarnaron en besos
dulces
que acarician el alma .
Y tu voz , música suave
hizo vivir las palabras ,
jirones de vida
que brotan de un corazón
enamorado .

Guardame tus nuevos versos
nacidos del alma y la pluma
el talento, el amor
y el deseo .
Poemas que riman con sueños ,
estrofas que rebosan
lágrimas de luna  y anhelo.

Déjame vivir tus poemas
poseer tu aliento,
dormir en tu seno

y ser tu y yo

una misma creación .

 

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