CENTENARIO DE STEWART GRANGER. EL HEROE ELEGANTE

2013 es un año pródigo en centenarios de figuras ilustres del cine clásico.  Alan Ladd ( 1913-1964 ), Burt Lancaster ( 1913-1994 ). Rafael Gil ( 1913-1986 ) – al que ya dedicamos un homenaje en el blog, y el hombre al que ahora nos vamos a referir, el actor britanico , nacionalizado norteamericano en 1956 , Stewart Granger, nacido el 6 de mayo de 1913 en Londres, y fallecido en Santa Mónica (California ) el 16 de agosto de 1993 , a los ochenta años de edad .

James Lablanche Stewart, hijo y nieto de artistas, fue el nombre que el protagonista de Moonfleet hubo de variar por su coincidencia con el mítico James Stewart . Stewart Granger fue el elegido, aunque su familia y amigos le continuaron llamando cariñosamente “Jimmy ” hasta el final de sus días .

Su trabajo como actor se inició en la década de los treinta: teatro, papeles al principio pequeños en películas modestas . en 1939 protagonizó “So this is London ” y en 1943 : “The man in grey ” una producción Gainsborough . Pero no fue hasta después de la Segunda guerra Mundial cuando Stewart Granger se alzó con la fama y el estrellato con grandes intepretaciones en films románticos y de aventuras como “Danza para los amantes muertos ” (Saraband for dead lovers ) 1948 de Basil Dearden, donde daba vida al trágico amante de otra princesa no menos trágica, Dorotea, en los convulsos años de las luchas dinásticas de la monarquía británica anterior a la  Reina Victoria .

La citada película, “Cesar y Cleopatra ” – con Vivien Leigh – . o “Adam y ella ” ( en la que intervenía la que sería su segunda esposa, la gran Jean Simmons ) , le abireron el camino a Hollywood . El salto se produjo en 1950 : “Las minas del rey Salomón ” ,de Andrew Marton y Compton Bennet, al lado de Deborak Kerr, aún hoy una de sus cintas más populares.

Los cambios afectaron a su vida personal tambien . Granger se divorció de su primera esposa en 1948, la actriz de teatro Elspeth March , y unió sus destinos a los de la prometedora Jean Simmons, que tambien se convertiría en estrella en Hollywood .

Stewart Granger sucedia así en el género a grandes figuras de la talla de Errol Flynn ( 1909-1959 ) ya en su declive físico, y a Tyrone Power ( 1914-1958 )  que giraba su carrera hacia personajes dramáticos del calibre de El callejón de las almas perdidas ( 1947 ) o Cuna de héroes ( 1955 ) . Granger, contratado por la Metro Goldwyn Mayer  compartiría curiosamente cartelera con otra estrella poderosa , Robert Taylor ( 1911-1969 ). Ambos aparecieron en un clásico de la aventura : Todos los hermanos eran valientes ( 1953 ) de Richard Thorpe, y en un western insólito : La última caza (The last hunt ) 1965 de Richard Brooks, en el que Taylor daba vida a un asesino de bufalos que progresivamente caía en la locura y la depresión .

Granger aportó al genero su innata elegancia , una sonrisa abierta y contagiosa y una presencia electrizante en películas como “El prisionero de Zenda ” de Richard Thorpe, de nuevo con Deborah Kerr con la que – se llegó a decir – vivió un romance . “Scaramouche ” ( 1952 ) una de las cumbres del cine de espadachines, dirigida por George Sidney en 1952 y al lado de Eleanor Parker, Janet Leigh y Mel Ferrer . Se reunió con Deborah Kerr, Jean Simmons y Charles Laughton en la histórica “LA reina Virgen ” (Young Bess ) de nuevo a las ördenes de Sidney y fue el arbitro de la elegancia en “Beau Brummell ” junto a Elizabeth Taylor .

Sus interpretaciones eran ligeras, sencillas, por eso la crítica no se fijó en sus cualidades de actor , tal vez oscurecidas por su presencia . Ello motivaría que el propio actor dudara de sus talentos llegando un día a declarar que se consideraba una estrella de cine más que un actor . Lo cierto es que Stewart Granger , amante de la vida y simpático por naturaleza compartió otras muchas aficiones con el séptimo Arte – entre otras las bellas mujeres – triunfando en casi todas ellas .

De nuevo con Jean Simmons ( con la que estuvo casado entre 1950 y 1960 ) protagonizó un personaje cínico que le venía como anillo al dedo en “Pasos en la niebla ” 1956 de Arthur Lubin y demostró sus dotes interpretativas en la notable Cruce de destinos (Bhowani junction ) 1954 de George Cukor, al lado nada menos que de Ava Gardner . Igualmente interesante resultó “Harry Black y el tigre” de Hugo Fregonese en su escenario favorito : la selva y los safari , ahora en lucha contra un león asesino en un trasunto de Moby Dick .

PAsaron por sus brazos bellas como Rhonda Fleming (El rifle del forastero ), la futura princesa de Mónaco, Grace Kelly en “Fuego verde ” de Andrew Marton , Rita Hayworth en “Salomé ” de William Dieterle y de nuevo Ava Gardner en la alta comedial “La cabaña “(The little hut ) compartida – eso sí – con otro elegante británico : David Niven .

Y en 1955 se puso a las ordenes de Fritz Lang para filmar la magistral “Moonfleet ” , una historia gótica de aventuras y cotnrabandistas; romántica, bellísima y trágica que nadie comprendió en su tiempo y ni siquiera el propio actor pudo valorar en su justa medida . Hoy es un clásico incontestable y una de las obras maestras de su autor .

El divorcio de Jean Simmons le costó dinero y salud . Aceptó – tras rechazar el papel de Mesala en “Ben Hur ” cuando ya Charlton Heston se había hecho con el protagonista – trabajar secundando a John Wayne en la divertida “Alaska tierra de oro ” 1960 de Henry Hathaway . Pero a partir de entonces sus pasos le llevaron a Europa : películas por lo general poco ambiciosas , buenos contratos, negocios inmoboliarios y finalmente un dorado retiro en Marbella, en plena Costa del Sol española .

Su tercera esposa fue Carolina Le Cerf, entre 1964 y 1969 , terminando en un nuevo divorcio .

Eso sí, hubo tiempo de alternar en Alemania  con Lex Barker varios títulos de la serie de Old Shatterhand y Winnetou de Karl May, entre ellos “Los buitres “. La serie fue muy popular, aunque Granger no logró igualar el éxito personal cosechado por Lex Barker .

Stewart Granger aceptó también trabajos en televisión, apareciendo en una de las temporadas de la continuación de “El virginiano” ( titulada “Los hombres de Shiloh ” ) e intervino en 1972 en una curiosa adaptación de “El perro de Baskerville” dando vida a Sherlock Holmes .

En Italia filmó “Sodoma y Gomorra ” ( 1961) de Robert Aldrich, ( digna pero inferior a las producciones Samuel Bronston que se rodaban en España en aquellos años ) y con Henry Hathaway terminó en 1967 su ultima gran película : la crepuscular “El ultimo safari ” , donde literalmente devoraba al presunto protagonista Kaz Garas . La chica era la bella Gabriella Licudi .

Semiretirado del cine, asiduo de la alta sociedad europea, encantado de sus propiedades en Marbella , Granger solo volvió al cine – y muy fugazmente al teatro , 1989 : The circle . con Rex Harrison  – cuando su bienestar económico se puso en peligro y comenzó a necesitar nuevos ingresos . Así trabajó en  empeños concretos como su colaboración especial en la popular “Patos salvajes ” 1978 de Andrew V.McLaglen , en producciones televisivas alemanas como Das Erbe der Guldenburgs ( 1987 )  o en 1989 en la película española   “Oro fino ” de José Antonio de la Loma que no obtuvo el éxito esperado .

Los problemas económicos de sus  últimos años  en los que el actor vió esfumarse buena parte de su fortuna se debieron a una  mala inversión económica en varios negocios en Estepona ; concretamente la compra de terrenos para nuevas urbanizaciones que habrían de ser comercializadas por empresarios alemanes . La normativa urbanística lo impidió y las pérdidas del actor fueron muy elevadas . Por si fuera poco los síntomas del cáncer aparecieron en 1991 , sin embargo Granger no perdió el optimismo y luchó por su vida y su hacienda hasta el último momento .

Stewart Granger no Tuvo cuatro hijos : Tracy , Lindsay ( de su primera mujer ), Jamie ( con Jean Simmons ) y Samantha Granger ( con su tercera esposa ). Su autobiografía, “Sparks fly upward “  se lee con gracia y responde al mismo tono elegante y levemente sarcastico de sus mejores interpretaciones.

El actor falleció víctima de un cáncer de próstata y huesos  tres meses después de cumplir ochenta años en agosto de 1993 .

Stewart Granger merece en su centenario el recuerdo de su presencia elegante , el  de su carisma no siempre bien aprovechado y por ese puñado de obras maestras encabezado por Danza para los amantes muertos , Scaramouche  y- sobre todo – Moonfleet . Ellas le garantizan un lugar de privilegio en la memoria cinéfila .

ALFREDO LANDA . RECUERDO DE UN ACTOR

La muerte de Alfredo Landa ( marzo 1933-mayo 2013 ) deja de nuevo en soledad a cine español en unos meses trágicos en los que también han desaparecido grandes como José Sancho, Sara Montiel, Fernando Guillén, Aurora Bautista o Juan Luis Galiardo .

Alfredo Landa protagonizó varias décadas del cine español y como escribiera con agudeza Berlanga pocos actores en la historia del cine han sido capaces de crear un subgénero con su propio nombre, en este caso “el landismo “ . Y precisamente ese punto de gloria del que el propio Landa se enorgullecía se ha convertido en un obstáculo para su reconocimiento unánime a la hora de enjuiciar su trabajo profesional .

El “landismo “ ha sido odiado por la crítica cinematográfica casi en bloque , pero como ha recordado Manuel Hidalgo , el menosprecio actual no es comparable a la auténtica saña con que fue recibido en los momentos de su apogeo por la misma crítica ( los antecesores de la misma ) y los jóvenes cineastas de aquel momento que aspiraban a hacer un cine personal o de autor .
El tiempo , casi siempre juez sabio, suele poner las cosas en su sitio . El landismo, es decir las películas de comedia autóctona , gruesas y castizas que Landa – como José Luis López Vázquez , Manolo Gómez Bur y tantos otros protagonizaron en los ultimos años sesenta y primeros setenta – hizo a las órdenes de Mariano Ozores, Pedro Lazaga o Ramon Fernández , no pasarán desde luego a la historia del séptimo arte . Hasta ahí no hay duda, sin embargo es muy aventurado anular por completo su valor . Y no solo desde el punto de vista sociológico sino desde la óptica del mero divertimento . Puede que esa visión de Landa corriendo en paños menores detrás de rubias despampanantes no resulte demasiado presentable, pero algo en aquellas películas ha pervivido o al menos ha reflejado de nuestros propios demonios, cuando décadas después los índices de audiencia de las distintas televisiones o la venta de DVD aumentan cuando se emiten títulos como Cuatro noches de boda, entrañable comedia de Mariano Ozores con Concha Velasco, Antonio Ozores y una retahíla de inolvidables secundarios , Cuarenta grados a la sombra , Jenaro el de los 14, LA graduada,- con una espléndida Lina Morgan – El reprimido, Vente a Alemania Pepe ( título premonitorio por cierto, una de los mejores del ciclo que dirigiera Lazaga ) o El alcalde y la política . Y ello sin olvidar el inmenso fenómeno de taquilla que supuso No desearás al vecino del quinto, disparatada comedia que aún hoy provoca risas tal vez culpables pero risas al fin y al cabo .

Alfredo Landa sobrevivió al landismo , execrado por muchos pero luego homenajeado por Pedro Almodóvar en clave “ moderna “ , puesto al día ( con menos gracia ) por las hoy olvidadas comedias de “ la movida madrileña “ y sinceramente recreado por el maestro Berlanga en La vaquilla o Moros y cristianos .

Ya en su primera etapa Alfredo Landa había intervenido en obras maestras como El verdugo ( 1964 )  del mencionado Berlanga o en Atraco a las tres ( 1961 ) de José María Forqué , ambas en papeles secundarios pero muy brillantes . Y enseguida llegó otro título antológico : La niña de luto, 1965 una de las mejores obras del original Manuel Summers .

Al lado de Conchita Velasco brilló en La decente, 1970 comedia de Miguel Mihura llevada al cine con tino por José Luis Saenz de Heredia  y con Forqué hizo otra muy popular : Las que tienen que servir , con Gracita Morales y Manolo Gómez Bur , ambos inolvidables .

 

  Se  suele decir que la nueva ruta de Landa como actor se inicia en El puente, 1976 de Bardem, una película muy sobrevalorada y – esta sí – con un interés meramente sociológico . Sin embargo los inmensos talentos de Landa como actor habrán de brillar en su colaboración con José Luis Garci, tal vez el hombre que mejor comprendió su manera de actuar llevandole al límite en El crack 1981- cine negro – , Las verdes praderas , 1978- comedia dramática que supuso el final y a la vez el punto más alto de la entonces popular Tercera Vía – y los intensos y bellos melodramas de Canción de cuna e Historia de un beso .

 

  Y por supuesto, Mario Camus , otro de los directores importantes del cine español de las ultimas décadas , que le brindó un auténtico “tour de force “ interpretativo en Los santos inocentes , 1984 al lado de Paco Rabal .

 

      Alfredo Landa triunfó en la TV ( aún se recuerda el éxito de Lleno por favor ), trabajó con directores jóvenes como Antonio del Real (El río que nos lleva )  alcanzó exitos comerciales sobresalientes en El bosque animado , de J.L. Cuerda o Las autonosuyas  de Rafael Gil, compartió talento con Berlanga en La vaquilla – farsa ambientada en la guerra civil -  y bordó el personaje de Sancho Panza en el Don Quijote de Manuel G. Aragón junto a Fernando Rey que daba vida al ingenioso hidalgo .

   Garci le proporcionó sus últimos grandes trabajos , Tiovivo, 2005 y   en 2007 : Luz de domingo , escribió unas polémicas memorias en las que no se cortó a la hora de hablar mal de algunos compañeros de trabajo ( sobre todo el productor José Luis Dibildos ) . Pero verdadero o falso, todo se le perdonó porque su estatura era ya gigantesca como actor y como estrella .

 

  Alfredo Landa nunca protagonizó escándalos, orgulloso de su familia , creyente y al margen de cualquier maniobra política fue capaz de concitar adhesiones diversas y lo que es más importante que muchos españoles se sintieran identificados con su personaje, con su sinceridad, con sus errores , defectos pero también virtudes . No es flaco mérito para un actor que no precisó ser un galán o convertirse en actor de carácter para llenar una pantalla . Sus gestos, su simpatía, su carisma y una mirada entre ingenua y penetrante hicieron el milagro .

    Los grandes actores no se despiden, por eso Alfredo Landa está presente en nuestros recuerdos y en nuestros corazones .

 

CENTENARIO DE RAFAEL GIL.director de cine

 

CENTENARIO DE RAFAEL GIL

El 22 de mayo de 2012 se cumplen cien años del nacimiento de Rafael Gil, uno de los grandes cineastas españoles del siglo XX cuya figura extraordinaria aun está pendiente de reivindicación en el alicorto panorama de la cultura contemporánea .

Rafael Gil nació en Madrid el 22 de mayo de 1913 , enamorado del cine y la literatura comenzó escribiendo sobre películas con apenas 20 años ( un precursor de los futuros críticos/directores de Cahiers du Cinema en los años cincuenta ) y aprendió a amar el cine de John Ford, Frank Borzage , Vidor o Capra .

Enseguida pudo cumplir su sueño de crear películas debutando en 1941 con la comedia dramática El hombre que se quiso matar , de la que haría un “remake “ treinta años después .

La obra de Rafael Gil , el director que más obras literarios ha adaptado en la historia del cine , abarca varias décadas del cine español y se podría dividir en las siguientes etapas :

1- Comedias dramáticas y grandes adaptaciones literarias : Producciones Cifesa y Suevia Films .
Obras sentimentales como Huella de luz 1943 y El fantasma y Doña Juanita 1944 – ambas protagonizadas por Antonio Casal , sirven de contrapunto a películas ambiciosas como Eloísa está debajo de un almendro (1943) adaptación de Jardiel Poncela , la popular El Clavo 1944 , robusto melodrama con Amparo Rivelles y Rafael Durán o la espléndorosa Don Quijote de la Mancha 1947 , auténtica superproducción en el que todos los dialogos pertenecen a Cervantes y que gozó de amplia repercusión internacional ( entre otros el premio de la Critica de Nueva York ). Rafael Rivelles y Juan Calvo fueron Don Quijote y Sancho Panza .
El ciclo de historias policíacas con influencias del realismo poético francés dio como resultado dos obras maestras : La calle sin sol, 1948 y Una mujer cualquiera , 1949. Ambas con Antonio Vilar , acompañado por Amparo Rivelles y Manolo Morán en la primera y por la gran María Felix en la segunda . Esta ultima ofrecía además una curiosa ruptura argumental : Vilar era el malvado manipulador y la bella María Felix la víctima .

2- Cine religioso Aspa Films . Asociado con Vicente Escrivá y en plena posesión de sus recursos creativos, Rafael Gil rueda dos de sus mejores películas : La señora de Fátima 1951 – emotiva y religiosa con un desenlace que no puede contemplarse sin lágrimas – y La guerra de Dios , 1953 , premio en San Sebastián y cuyo protagonista, Claude Laydu había trabajado con Robert Bresson en Diario de un cura rural .

3- Producciones Coral . Rafael Gil ha fundado su propia productora , Coral Films, y ha llegado a un ventajoso acuerdo con Paramount para la distribución . Su obra en los ultimos años cincuenta y la década posterior es abundante y alterna títulos comerciales (El relicario, Chantaje a un torero, LA reina de Chantecler- producción Suevia con Sara Montiel ) con obras originales y arriesgadas como la magnífica Camarote de lujo 1957 – con Antonio Casal – de fina poesía y honda descripción de la realidad social de la inmigración de la época , Siega verde 1961 – filmada en catalan en los bellos parajes del Valle de Arán , Verde doncella . 1967 , sátira mordaz en la que un millonario –Antonio Garisa – ofrece un millón a una novia – Sonia Bruno – para pasar la noche con ella antes que el novio . Y en el mundo taurino la notable El Litro y su sombra , 1959 según una idea de Agustín de Foxa .

Una rareza considerable es LA vida nueva de Pedrito Andía 1964 , producción Suevia con Joselito – ya con más de veinte años – basada en la novela de Rafael Sanchez Mazas . Una película desconocida, olvidada y de gran belleza formal .

En los años setenta Gil acomete de nuevo ambiciosas adaptaciones literarias como La duda 1972- según Galdós con Fernando Rey y Analía Gadé – Nada menos que todo un hombre 1971- según Unamuno con Francisco Rabal y de nuevo Analía Gadé – y La guerrilla 1973- según Azorín, con Rabal, Julia Saly y José Nieto .
Hay tiempo tambien para un éxito comercial sobresaliente : Novios de la muerte , 1973 , con Juan Luis Galiardo, Helga Line, Ramiro Oliveros y Fernando Sancho en el mejor papel de su carrera interpretando a un comandante de la Legión .
4- Adaptaciones de Fernando Vizcaíno Casas : El éxito de La boda del señor cura 1977 , ácida crítica de la secularización y la decadencia de la Compañía de Jesús – con un magistral Pepe Sancho – y sobre todo Y al tercer año resucitó 1978 , propician un ciclo de comedias críticas entre la nostalgia y el sainete : Hijos de papa , Las autonosuyas ( profética en su retrato de los excesos del estado de las autonomías ) ..hasta llegar a la ultima de todas : la curiosa y poco conocida Las alegres chicas de Colsada ( 1983 ) con Tania Doris sobre el mundo de la revista .

Rafael Gil falleció en Madrid en septiembre de 1986 a los 73 años . Fue un hombre bueno, amante de su familia, generoso y abierto, apasionado del Real Madrid, católico por convicción y que sintió siempre el cine como una parte central de su vida .

Su herencia de 68 películas a lo largo de más de cuarenta años le coloca en la vanguardia del cine español del siglo, junto a directores como José Luis Saenz de Heredia, Edgar Neville, Ladislao Vajda, Juan de Orduña , J.A.Bardem o Luis G. Berlanga.
Y un puñado de sus mejores películas : El fantasma y doña Juanita, La calle sin sol, Una mujer cualquiera , La señora de Fatima, La guerra de Dios o Camarote de lujo, a la altura del mejor cine europeo de su generación .

Una medalla y sello conmemorativo editado en abril de 2013 , la edición de un cuaderno ilustrado sobre su obra – a cargo de Luis Rubio – la emisión de un programa especial de Lágrimas en la lluvia ( 12 mayo 2013 ) con la participación de Juan Manuel de Prada, Rafael Gil hijo, Juan Pinzás , Carlos Pumares , María Cárcava y Fernando Alonso Barahona y la organización de un ciclo sobre su obra en la Filmoteca Española ( septiembre 2013 ) sirven de conmemoración de un centenario ilustre . Y al fondo sus películas que están al alcance de cualquier cinéfilo desprejuiciado que disfrutará con su revisión y su descubrimiento .

 

 

Territorio Western

El género cinematográfico por excelencia del cine norteamericano y el género que más obras  maestras ha proporcionado al Séptimo Arte es sin duda el “western “ . Su decadencia actual dice mucho acerca de la propia decadencia del cine , aunque por supuesto las ediciones DVD nos devuelven el esplendor de la época dorada y en las TV se proyectan continuamente “westerns “, clásicos o modernos realizados directamente para la TV ( y algunos tan notables como los protagonizados por Tom Selleck : “Monte Walsh”).

Algunos de los mejores directores del cine americano aventuraron sus historias en el territorio “western “ : Cecil B. De Mille, John Ford, King Vidor, Anthony Mann, Delmer Daves, John Sturges , Sam Peckinpah …..y sus iconos más característicos fueron desde luego John Wayne, Gary Cooper, James Stewart o Randolph Scott . Pero tambien Joel McCrea, Charlton Heston, Errol Flynn, Tyrone Power , Kira Douglas , Richard Widmark o Lee Marvin .

 

En el cine contemporáneo el “western “ ha tratado con éxito discreto de recuperar clásicos como “El tren de las 3-10 “ o mitos como Jesse James, pero sus ultimos grandes cultivadores han sido Clint Eastwood y Kevin Costner . Junto a ellos, la nostalgia “western “ se rastrea en John Milius, Walter Hill o en la serie de Chuck Norris , “Walter, Texas Ranger “ ( en la que algunos episodios retrospectivos se han remontado a la época fundacional de los Ranger, puro territorio “western “ ).

El espíritu de la frontera, los pioneros americanos ( descritos en esa maravillosa película de aventuras que es “Los inconquistables “ (Unconquered ) un auténtico “pre western “ ), el esfuerzo y el sacrificio, el valor…aparecen en los grandes títulos del género, pero también las debilidades humanas, la traición, la violencia , la ambición . A través del “western “ hemos asistido a las guerras con los indios, a la Guerra de Secesión y a la formación de algunos de los grandes Estados de la Unión , en el “western “  han tenido cabida  melodramas, musicales ( por ejemplo “La leyenda de la ciudad sin nombre “ de Joshua Logan o “La ciudad de oro “ (The girl of the golden west ) 1937 de Robert Z. Leonard, con Jeannette MacDonald y Nelson Eddy), comedias, tragedias o simplemente grandes historias de aventuras, con espacios abiertos y emociones a flor de piel .

ANTOLOGIA DEL WESTERN

Un viaje a la excelencia y a la magia del cine de Hollywood, y una lista que por supuesto puede incluir muchos títulos más, de John Ford, Howard Hawks, pero tambien de otros ilustres amantes del género como John Farrow, Andrew V. McLaglen, Henry Hathaway…… y en el marco del cine europeo la serie alemana de novelas de Karl May : “Winnetou y Old Shatterhand “ que protagonizaran Lex Barker ( y Stewart  Granger ) y Pierre Brice, la tetralogía de Sergio Leone y algunas rareza insólitas de Romero Marchent como “Antes llega la muerte “ .

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Buffalo Bill “(The Plainsman ) 1936 CECIL B. DE MILLE

LA diligencia (Stagecoach ) 1939 JOHN  FORD

Union Pacífico (Union Pacific ) 1939 CECIL B. DE MILLE

Tierra de audaces (Jesse James ) 1939 HENRY KING

Murieron con las botas puestas (They died with their boots on ) 1941 RAOUL WALSH

Duelo al sol (Duel in the sun ) 1946 KING VIDOR

Pasión de los fuertes (My darling Clementine ) 1946 JOHN FORD

“Rio Rojo “(Red river ) 1948 HOWARD HAWKS

“Cielo Amarillo “(Yellow Sky ) 1948 WILLIAM WELLMAN

“Juntos hasta la muerte “ (Colorado Territory ) 1949 RAOUL WALSH

La puerta del diablo (Devil,s doorway )1949 ANTHONY MANN

La legión invencible (She wore a yellow ribbon ) 1949 JOHN FORD

“Encubridora “(Rancho Notorious ) 1950 FRITZ LANG

Winchester 73 (Winchester 73 )1950 ANTHONY MANN

El pistolero (The gunfighter ) 1950 HENRY KING

Solo ante el peligro (High Noon ) 1952 FRED ZINNEMAN

Raices profundas (Shane ) 1953 GEORGE STEVENS

Hondo . 1953  JOHN FARROW

“El hombre de Laramie “ (The man from Laramie ) 1954 ANTHONY MANN

Tierras lejanas. 1954 ANTHONY MANN

“El jardin del diablo “(Garden of evil ) 1954 HENRY HATHAWAY

Apache . 1954 ROBERT ALDRICH

Silver Lode 1954 ALLAN DWAN

La ultima caza. 1955  RICHARD BROOKS

Johnny Guitar (Johnny Guitar ) 1955 NICHOLAS RAY

El tren de las 3.10 (3.10 to Yuma ) 1955 DELMER DAVES

Wichita. 1955. JACQUES TOURNEUR

Centauros del desierto (The searchers ) 1956 JOHN FORD

Seven men from now 1957 BUDD BOETTICHER

Horizontes de grandeza (The big country ) 1957 WILLIAM WYLER

Terror in texas town. 1958. JOSEPH H. LEWIS

El dia del fugitivo (Day of the outlaw ) 1958 ANDRE DE TOTH

El hombre del Oeste(Man of the west ) 1958 ANTHONY MANN

El ultimo tren de Gun Hill (Last train from Gun Hill ) 1959 John Sturges

El árbol del ahorcado (The hanging tree ) 1959 DELMER DAVES

Rio Bravo (Rio Bravo ) 1959 HOWARD HAWKS

The Tall T . 1959 BUDD BOETTICHER

El Alamo (The Alamo ) 1960 JOHN WAYNE

Los siete magníficos (The magnificent seven ) 1960 JOHN STURGES

El hombre que mató a Liberty Valance (The man who shot Liberty Valance ) 1962 JOHN FORD.

Duelo en Alta Sierra (Ride the high country )1962 SAM PECKINPAH

Dos cabalgan juntos (Two rode together ) 1962 JOHN FORD

La conquista de Oeste (How the west was won ) 1963 HENRY HATHAWAY- JOHN FORD- GEORGE MARSHALL.

Furia apache. 1963. Harald Reinl

Antes llega la muerte 1964. Joaquin R. Marchent.

Rio Conchos. 1966 GORDON DOUGLAS

Los profesionales (The professionals) 1966 RICHARD BROOKS

El Dorado (El dorado ) 1967 HOWARD HAWKS

Will Penny 1967 TOM GRIES

Duelo a muerte en Rio Rojo . 1967 RICHARD THORPE

Hasta que llegó su hora . 1968 SERGIO LEONE

La ciudad sin ley (Death of a gunfighter ) 1969 DON SIEGEL

El oro de McKenna (McKennas Gold ) 1969 J. LEE THOMPSON

Grupo salvaje (The wild bunch ) 1969 SAM PECKINPAH

Chisum 1970 ANDREW V.MCLAGLEN

El ultimo pistolero (The shootist ) 1976 DON SIEGEL

Sin perdon (The unforgiven ) 1994 CLINT EASTWOOD

Open range .2002 KEVIN COSTNER

 

RETRATO DE ELLA . la novela

 

RETRATO DE ELLA .

 

Novela de Fernando Alonso Barahona

Martes , 9 abril 2013
18.45 horas
Ambito Cultural . Serrano 52 . Madrid (El Corte Inglés )

Intervienen :

JUAN MANUEL DE PRADA , escritor . Premio Planeta . Director de “Lágrimas en la lluvia “ .Premio nacional de Literatura

JUAN PINZAS , director de cine . premio de la Crítica de Nueva York . Autor de El Dogma español .

http://barahona611.blogspot.com.es/2013/03/retrato-de-ella-la-novela.html

 

La historia de amor de Irene Valdés y Alejandro a través del tiempo en los escenarios fascinantes de Cadaques y Lucerna . Los círculos de mujeres, la sensualidad , la magia de la creación artística, los amores de Irene y una intriga criminal en el mundo del arte .

 

Tras un romance de juventud, Irene y Alejandro siguen caminos opuestos, él contrae matrimonio e intenta triunfar en su carrera profesional, ella entra en contacto con un colaborador de Salvador Dalí y teje una serie de trayectorias en las que el arte llega a poseer a la propia vida .

Irene y Alejandro vuelven a encontrarse y a desaparecer , y junto a ellos las amigas del alma Marina y Jeanne, el psiquiatra Gustavo Perea, la sinuosa Susana Reyes, el comisario Salcedo , el marchante Máximo que trata de manipular a Irene influyendo en su vida . Y el colaborador de Dalí y artista Lázaro Montegut , catalizador de pasiones artísticas y desengaños humanos .

Pasión encendida , recreación histórica de cuadros, conspiraciones y artistas .
La sensualidad del juego de las palabras, el amor convertido en peligro y obsesión y al fondo la historia de una mujer extraordinaria : Irene Valdés .
Y sobre la historia y los personajes las sombras de las almas gemelas, Salvador Dalí y Gala , las pintoras Remedios Varó y Leonora Carrington, y las estrellas de cine Jeanette MacDonald y Nelson Eddy .
Una historia llevada al límite del peligro y de la pasión . Arte y vida unidos de una forma bella y a la vez dramática .

Tras “La restauración ” (2008 ) y Circulo de mujeres ( 2010) , Retrato de ella es la tercera novela de Fernando Alonso Barahona

Tarzan , mito y leyenda

La lectura en estos días agitados de una magnífica novela de Edgar Rice Burroughs: “Tarzan y la ciudad de oro” (las aventuras de Tarzán en un lugar fascinante dominado por el oro, los leones y una reina tan cruel como sensual) y la completa y extraordinaria página web que en homenaje a Tarzán ha confeccionado Mariano Bayona Estradera: http://www.escena.ya.com/tarzana54 me han hecho volver los ojos sobre uno de los personajes más entrañables de la iconografía del siglo XX: Tarzán. Edgar Rice Burroughs (1875- 1950) hijo de un veterano de la guerra civil, militar en su juventud , publicó su novela “Tarzán de los monos” en el año 1912, convirtiéndose enseguida en un gran éxito popular que pronto traspasaría su imagen a los “comics” y al cine. Burroughs fue un notable novelista popular con obras de aventuras y ciencia ficción que, sin embargo, palidecieron frente al brillo de su gran creación de Lord Greystoke (Tarzán).

Se cuentan por docenas las adaptaciones cinematográficas del personaje, desde la versión muda de Elmo Lincoln en 1918 hasta la suavemente erótica “Tarzán el hombre mono”, donde la protagonista era la cimbreante mujer diez Bo Derek, pasando por grandes producciones de prestigio (“Greystoke” de Hugh Hudson, que en nada se parecía al relato original), series B y Z, coproducciones europeas de bajo nivel o discretas series televisivas (la protagonizada por Ron Ely en la década de los 70).

La página web de Mariano Bayona recorre con gran despliegue de fotografías todos los Tarzanes que en el mundo han sido, con especial dedicación a los más importantes, Gordon Scott (destaquemos “La más increíble aventura de Tarzán”, Lex Barker (“Tarzán y la fuente mágica”) y – por supuesto – el gran Johnny Weissmuller (1904- 1984), que desde 1932 a 1947, entre “Tarzán de los monos” (W.S.Van Dyke 1932 , en Metro Goldwyn Mayer ) y “Tarzán y la sirena ” (Robert Florey . 1948 en RKO ) modeló el personaje de Burroughs en un recuerdo colectivo de varias generaciones.

El estilo MGM rodeó a Tarzán de ingredientes familiares: Jane, la casta compañera de mil aventuras (Maureen O´Sullivan), Boy, el hijo adoptado que aparece por primera vez en la notable “Tarzán y su hijo” (Richard Torpe 1939) (Johhny Sheffield). La todopoderosa Metro supo dibujar unas líneas de conocimiento tal vez ingenuas, desde luego un tanto alejadas de la creación original de Burroughs, más juvenil y agresiva, pero repletas de encanto y en no pocas ocasiones de inteligentes transgresiones: el vestuario incitante de Jane en las primeras películas, el baño sin ropa en una secuencia genial de “Tarzán y su compañera”, la visión idílica de la vida natural, la apuesta por los valores positivos (la honradez, el sacrificio, el valor) y la caracterización de un héroe sin mácula al que Weissmuller supo prestar la arrogancia y la imagen perfecta.

Si el primer Tarzán MGM dirigido por el siempre interesante W. S.Van Dyke (San Francisco, Rose Marie, María Antonieta) marcó el estilo de las historias sucesivas: la lucha con los cocodrilos, el enfrentamiento entre la codicia y la honestidad, la pureza del buen salvaje, las peleas con las fieras, la imprescindible mona Chita, los elefantes amigos, las lianas y el mítico grito de Tarzán, la serie alcanza el rango de obra maestra con “Tarzán y su compañera” en 1934.

Esta película, pura creación de estudio hasta el punto de ir firmada por el buen artesano Jack Conway (Historia de dos ciudades) y en algunos créditos, nada menos que por Cedric Gibbons, el director artístico de la MGM en todos los años de su esplendor, supone la apoteosis de Tarzán. En ella no solo aparecen los habituales ingredientes de aventura, acción y enfrentamiento entre el mal y el bien, sino que la historia de amor inocente entre Tarzán y Jane (que luce un modelo tan diminuto y atrevido que el Código Hays de autocensura obligaría a cambiar en la siguiente película ) ofrece momentos de cine puro como la reseñada natación por el río con la figura desnuda de Maureen O, Sullivan – hoy se sabe que fue doblada – o el desenlace final con el ejército de monos y elefantes en ayuda y defensa de su indiscutible rey Tarzán.

Cine para el recuerdo, pero cine vivo porque hace revivir en el espectador lo mejor de sus sueños, un universo de fantasía que no es sino la aventura en estado puro.

Tarzán de los monos es un héroe tal vez primitivo, pero en su figura se encierra esa inocencia y esa fortaleza que tan solo los más grandes mitos son capaces de atesorar y ofrecer.

 Tarzán y su compañera (Tarzan and his mate) USA 1934. Directores: Jack Conway y Cedric Gibbons. Guión: James Kevin McGuinness, Howard E.Rogers. Fotografía : Charles Clark , Clyde de Vinna . Música :William Astt. con Johnny Weissmuller, Maureen O´Sullivan , Neil Hamilton, Paul Cavanaugh.

 

 

Davy Crockett. La historia y la leyenda

Davy Crockett (17 de agosto de 1786 – 6 de marzo de 1836) es uno de los grandes héroes populares de la historia de Estados Unidos. Aventurero, luchó al lado del general Jackson contra los ingleses, diputado del Congreso por el Estado de Tennesee, su fama se extendió por toda América durante años. Luchó en la Independencia de Texas y murió a los 49 años de edad en la mítica Batalla de El Álamo. A partir de entonces se convirtió en leyenda.

El cine se ha ocupado con frecuencia de las hazañas de Crockett, desde la serie de películas producidas por la Disney y protagonizadas por Fess Parker en los años cincuenta, hasta la última versión de “El Alamo“, dirigida por John Lee Hancock en 2003. Pero la mejor encarnación del personaje y del mito es sin duda la del gran John Wayne que en 1960 presentó la gran obra de su vida: la película en la que estuvo inmerso durante diez años y que produjo y dirigió personalmente titulada “El Alamo “ (The Alamo). Junto a Wayne en el papel de Davy, aparecían Richard Widmark (Jim Bowie), Lawrence Harvey (Travis), Richard Boone (Sam Houston), Chill Wills y la bella Linda Cristal. La película, con la inolvidable banda sonora de Dimitri Tiomkin, es una obra maestra y hoy se ha convertido en un film de culto.

Como con otros personajes heroicos (El Cid en España, sin ir más lejos), a partir del final de la década de los cincuenta se detectaron diversos movimientos de desmitificación.

Hasta entonces nadie había puesto en duda la narración de los últimos momentos de Davy. No hubo supervivientes en el bando tejano, exceptuando una mujer, un esclavo y un niño, que no combatieron. El testimonio de los soldados del ejército mexicano y de los historiadores del combate es que Crockett murió luchando, seguramente de herida de bala y muy al final de la batalla. John Wayne recoge básicamente esta descripción en su película; Crockett muere casi al final acuchillado por un soldado mejicano y antes de morir vuela los depósitos de pólvora para que no caigan en manos del general Santa Anna .

Es cierto que siempre hubo leyendas fantasiosas y algunas de ellas dieron a Crockett como superviviente. Ya en el periódico “Boston Evening Transcript“ (3 de mayo de 1836) apareció un artículo contando que el coronel Crockett fue dado por muerto por los mejicanos, pero logró recuperarse de sus heridas y huir. Nunca hubo la menor prueba, sin embargo abundaron las aventuras atribuidas al mítico héroe, en una de ellas, Crockett viajaba a la Luna en artefacto al estilo de los imaginados por Julio Verne.

En 1955 (publicado en español por el anticuario mejicano Jesús Sánchez Garza) y en 1975 (en traducción inglesa) apareció un escrito de un presunto  testigo de la matanza. Se trata del oficial del ejército mejicano que sirvió a las órdenes de Santa Anna, José Enrique de la Peña. En sus diarios cuenta que tras la sangrienta batalla hubo seis supervivientes, entre los que se encontraba probablemente Crockett. Peña escribió que el general Manuel Fernández Castrillón tomó en El Álamo a muchos prisioneros que fueron ejecutados por órdenes del general y presidente mexicano Antonio López de Santa Anna. Crockett, de acuerdo con el testimonio de Peña, fue identificado ante  Santa Anna por Castrillón. Se pidió clemencia para él pero Santa Anna rechazó su petición y ordenó que todos los supervivientes fuesen ejecutados. Es raro que el documento permaneciera oculto durante más de un siglo pero aún siendo auténtico, se trataría de un testimonio más que en todo caso debe contrastarse con el resto de documentación disponible.

El estudio del historiador Bill Groneman, “Defense of a Legend: Crockett and De la Peña Diary “, desmonta la verosimilitud del diario y prueba la verdad de la historia tradicional, la narrada por sus contemporáneos y la recogida por John Wayne en su película.

Las críticas al testimonio de De la Peña se fundan en dos puntos claves: en primer término, no hay ningún otro testimonio que asegure que Crockett sobreviviese a la batalla, ni documentación alguna en los archivos del gobierno mexicano. Ninguno de los registros personales de cualquier otra persona presente en la Batalla de El Álamo aporta indicio alguno de que hubiera supervivientes entre los defensores de El Álamo. En segundo lugar, se ha cuestionado si el diario de Peña puede ser una falsificación deliberada con la intención de presentar a Santa Anna con una personalidad aún más perversa que la habitual de los historiadores norteamericanos.

De la Peña no podía imaginar que su escrito pudiera servir, más de cien años después, para atacar o menospreciar a Davy Crockett. En realidad tampoco es tan importante el detalle del instante final del héroe,  el oficial mejicano simplemente revela que un grupo de hombres fue ejecutado sin piedad por orden del general Santa Anna tras varias horas de duro combate. Lo realmente negativo es que siglo y medio después, algunos hayan intentado desmitificar al héroe manipulando materiales e información.

Lo más probable es que Crockett falleciera en los últimos minutos del asedio, habiéndose retirado desde El Álamo a los barracones con una docena de sus compañeros de Tennesee. Dos testigos – finalmente – confirmaron que Crockett murió en combate: Susanna Dickinson, esposa de un oficial (el capitán Dickinson, lugarteniente de Travis) dijo que Crockett murió en el asalto y que vio su cuerpo entre los barracones y la capilla. Igual testimonio declara el esclavo liberado poco antes del asalto, Joe, que vio a Crockett muerto entre cuerpos de soldados mexicanos.

Dijo John Ford en “El hombre que mató a Liberty Valance“, que “cuando la historia se convierte en leyenda” es mejor contar la leyenda. Pero a veces, como en “El Alamo“, la leyenda es también historia.