MUERTE Y ESPERANZA EN EL CINE


Vendrá de noche, cuando todo duerma;
vendrá de noche cuando el alma enferma se emboce en vida ;
vendrá de noche, con su paso quedo,
vendrá de noche y posará su dedo
sobre la herida.
Vendrá la noche y su fugaz vislumbre
Volverá lumbre la fatal quejumbre;
Vendrá la noche
Con su rosario ; soltará las perlas
Del negro sol que da ceguera verlas,
Todo un derroche ()….)

Vendrá la noche , si, vendrá la noche
Su negro sello servirá de broche
Que cierre el alma;
Vendrá de noche sin hacer ruido ,
Se apagará a lo lejos el ladrido,
Vendrá la calma ..
Vendrá la noche ...”

MIGUEL DE UNAMUNO
(Romance del destierro )

Morir sólo es morir .Morir se acaba.
Morir es una hoguera fugitiva .
Es cruzar una puerta a la deriva
Y encontrar lo que tanto se buscaba
JOSE LUIS MARTIN DESCALZO
(Testamento del pájaro solitario )

Julian Marías señaló que la mortalidad es hasta tal punto una determinación de la condición humana , que la palabra “ mortal “ se emplea como sinónimo de “ hombre “ .
Mortalidad no es sólo que se puede morir, sino que se tiene que morir, aunque no se sepa el momento; de ahí la certeza de la fórmula mors certa, hora incerta.

a.Antropología de la muerte.
b.Muerte y felicidad.
c.Conexión de esta vida con la otra.
d. Imaginación de la vida perdurable.

Antropología de la muerte

La antropología de la muerte tiene dos núcleos antagónicos pero omnipresentes: la propia mortalidad y el ansia de perduración, la vida perdurable.La condición y futuriza y proyectiva del hombre parece precisar, de forma imperiosa, la continuidad de la vida.Marías lo ha descrito de un modo clarividente: No es mi vida la que desemboca inexorablemente en la muerte; es el hombre que yo soy. El hombre es el animal que tiene una vida humana, por tanto ese hombre, es decir, la estructura empírica de la vida humana, es una estructura cerrada; pero mi vida, yo como persona, soy una estructura abierta.
Si el hombre es intrinsecamente mortal, continúa Marías, mi vida consiste en una pretensión de eternidad(..), lo que yo soy es mortal, pero quien yo soy consiste en pretender ser inmortal y no puede imaginarse como no siéndolo, porque mi vida es la realidad radical.
La muerte corporal, en este sentido, no es mi muerte: la muerte es algo que me pasa en mi vida. Esta sensación de permanencia el cine la refleja, aunque sea en un tono superficial, en las películas de fantasmas y espectros; en alguna escena (Always de Spielberg, Ghost de Zucker…) vemos la muerte corporal e instantáneamente la liberación del espíritu que continúa viviendo.
La muerte es un hecho radical en la vida hunmana, como John Wayne expresa en una emocionante escena de The Shootist, de Don Siegel;
Mimuerte es exclusivamente mía, lo más personal de mi vida.Para autores como Unamuno, la muerte es, de hecho , la única gran cuestión de la filosofía: ¿Qué va a ser de mi?
En el corazón de la vida se hace presente la muerte, comenzaba un canto religioso del siglo XI, pero esta presencia siempre se compensa y se une a la de la esperanza en lo permanente,

Yo sé que está sin mi vengador
Y que al final se alzará sobre el polvo;
Después que me arranquen la piel,
Ya sin carne,
Veré a Dios

JOB. 19/25/27

Muerte y felicidad

 

En uno de los capítulos anteriores hablaba de la felicidad como una de las necesidades antropológicas mñas esenciales del ser humano.
Decía entonces que iba unida ineludiblemente a dos realidades, el amor y la muerte; en apariencia el primero es el gran signo positivo, en cambio la segunda trae aparejada la incertidumbre.

Sin embargo, la muerte introduce un especial dramatismo en la vida porque dota a cada uno de los días de un valor único e irrepetible; esto los convierte en piezas valiosas y disfrutables, y aún así es preciso reconocer que la esperanza en la perdurabilidad se alza como indudable condición de que la felicidad posea consistencia. Es la gran función de la fé que, en tradición cristiana, tiene dos grandes columnas vertebrales.

La primera es la promesa de la vida eterna: El que cree en mí, aunque haya muerto, vivirá; y el que está vivo y cree en mí no morirá para siempre (Juan 11/25/26), y la segunda es la resurrección de Cristo, tal y como predica San Pablo: Fundamento de nuestra fé.

La secuencia de la última noche de los sotiados en el asedio de The Alamo, de John Wayne, cuando sus defensores presienten y preparan su muerte inminente, posee un especial dramatismo por su mezcla fecunda de fé, valor y esperanza.

El cone europeo ha abundado en la descripción pesimista y desesperanzada de la muerte como corte brutal de la vida, como amenaza latente de la que no se puede escapar. Recordemos el clima asfixiante y agónico de El septimo sello , una de las mejores obras de Ingmar Bergman, en la que el caballero medieval juega una partida de ajedrez con el espectro de la muerte.

La desaparición física, la angustia de morir, se palpa en un espléndido film de François Truffaut; La chambre verte, toda ella transida de una angustia indefinible. En The Man Who Shot Liberty Valance, de John Ford se dibuja el juego entre historia y leyenda, el paso del tiempo, la muerte que espera.

 

 

La muerte, como decadencia, brilla en Morte a Venezia, de Luchino Visconti, una de las más hermosas y paradójicamente más devastadoras y tristes películas que jamás se hayan rodado; en tono inferior, pero no menos sofocantes, The Touch, de Ingmar Bergman, pinta la amenaza de la desaparición como una realidad que acecha en cada instante la vida de los seres humanos. Pero la muerte no tiene porqué significar el fin de los proyectos vitales. Ikiru, de Akira Kurosawa, es una bella parábola sobre un hombre mediocre al que le comunican que tan solo le quedan unos meses de vida; tras el desasosiego inicial se dedicará a hacer, en ese su último tramo, las mejores acciones de toda su existencia.  All that Jazz, un barroco musical drámatico de Bob Fosse, con importantes influencias de Fellino, describe el último montaje teatral de un autor amenazado muy de cerca por la muerte ( sufre graves problemas de corazón ), representada por una hermosa dama vestida de blanco, en una imagen no muy lejana a la pergeñada por Alejandro Casona para su “La dama del alba”. El último y espectacular número musical de All that Jazz, sobre la letra de la canción “Bye, bye love”, es una impresionante visión de la alegría de vivir tamizada por la inexorabilidad de la muerte. Impresionante tambien el episodio Lucas de Walker Texas Ranger : el niño que muere de SIDA y el discurso emotivo de Chuck Norris musitando : ” Solo se que él dio mucho mas al mundo de lo que ha recibido ” .

En un tono más amable, podemos recordar una inteligente comedia dramática de Mitchell Leisen, Death Takes a Holiday, en la que la muerte se encarna en un hombre de carne y hueso que quiere conocer porqué en el mundo todos le temen y odian.

Pero el gran ingrediente para vencer a la muerte, y por tanto, para asegurar la expectativa de felicidad, es el amor, y con él aquellos temas o realidades par los que la muerte no reasulta objección. El amor es más fuerte que la misma desaparición física, como demuestran Peter Ibbetson, de Henry Dutchman, de Albert Lewin; o El gran truco, excelente y poético mediometraje de José Luis Garci. Por eso, aunque los amantes hayan muerto , sus figuras recortadas de amor y recuerdo cobran imagen fugaz en las pantallas brillantes de Wuthering Heights, de William Wyler; The Wedding Night, de King Vidor , Cuando tu no estás , de Mario Camus , Cuna de héroes, de John Ford ,  o Bitter Sweet, de W.S. Van Dyke.


Especialmente emocionantes son las escenas románticas y trágicas de obras maestrasde Primavera 1937 de Robert Z. Leonard , Tres camaradas, 1938 de Frank Borzage , El puente de Waterloo 1940 de Mervin le Roy  , Los ojos perdidos, 1966 de Rafael García Serrano,  Juntos hasta la muerte, 1949 de Raoul Walsh , Marco Antonio y Cleopatra 1972 de Charlton Heston, La reina Cristina de Suecia, 1933 de Rouben Mamoulian ( el rostro de Greta Garbo ), Sangre y arena 1941 de Rouben Mamoulian , Tiempo de amar tiempo de morir 1958 de Douglas Sirk , El signo de la cruz 1932 de Cecil B. de Mille   o La colina del adios, 1955 de Henry King .

En la maravillosa Ordet, de Carl Th. Dreyer, la fuerza de la fé enamorada logra el milagro de la resurección; es una de las mejores secuencias de toda la historia del cine.
Quien sabe si morir no será vivir y lo que los mortales llaman vida será la muerte ” se dice en el inicio de Jennie (1948 William Dieterle ).

 

La bellisima y desoladora imagen final de Kim Novak precipitandose al vacío en Vértigo de Hitchcock simboliza la verdad de la muerte como desaparición .

El cine y el arte en algun sentido son escorzos de eternidad .

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POEMAS RECITADOS


poemas recitados por Fernando Alonso Barahona 

 

 

AUTORES CLASICOS :

Francisco de Quevedo ( amor mas alla de la muerte )  , Gustavo Adolfo Bécquer (Volverán las oscuras golondrinas ) , Ramón de Campoamor (Quien supiera escribir )  , Federico García Lorca ( La sangre derramada ) , Aleiandra Pizarnik (La jaula se ha vuelto pájaro )  , Luis Alberto de Cuenca (Alicia vestida de Leia Organa )

 

 

 

POEMAS DE FERNANDO ALONSO BARAHONA 

 PRIMICIA .  Cartas del silencio ( Carena . NOVEDAD EDITORIAL    otoño 2017 )

Eres , Cancion de amor para ti  , El amor vence a la muerte, El latido de las palabras )

 

 

 

 

El rapto de la diosa (Carena 2014 ) 

El jardin de las diosas ,  Tu cuerpo

 

 

 

 

ERES

Fernando Alonso Barahona

 

 

 

EL TIEMPO Y TU

Romina Power

 

 

 

TU PIEL DESNUDA

 

 

ALMA SIN  CUERPO

 

 

 

LUNA

 

 

CANCION ROMANTICA

 

 

Belleza es verdad

verdad es belleza 

es cuanto sabemos en la Tierra y cuanto necesitamos saber 

( JOHN KEATS )

 

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TIEMPOS MODERNOS . UNA CITA CON LA HISTORIA


 

El programa de Intereconomia TV presenta todos los días – entre lunes y viernes – a las 21.30 el programa histórico TIEMPOS MODERNOS , que dibuja de forma amena y rigurosa los trazos históricos más importantes del siglo XX.
Jose Javier Esparza es el director y conductor de TIEMPOS MODERNOS .
Programas :

Esparza es periodista y escritor , http://www.josejavieresparza.es/
Desde su Curso General de disidencia hasta sus novelas o sus multiples relatos históricos o políticos ( En busca de la derecha perdida, Juicio a Franco ) su obra constituye un punto ineludible para conocer y profundizar en el mundo contemporáneo .
Fernando Alonso Barahona ha tenido el placer de colaborar en el programa y ya son cinco las intervenciones en Tiempos Modernos, encontrándose en proyecto varias más siempre desde una perspectiva cultural e histórica.
Blogs del autor :
https://fab1961.wordpress.com/
http://barahona611.blogspot.com.es/
http://fernandoalonsobarahona.blogspot.com/
revistas :

RITMOS 21
http://www.ritmos21.com/secciones/1/44/autor/autores.html

TERRITORIO USA
territorio USA
http://territoriousa.com/author/fernando-alonso-barahona/
Rambla libre
http://ramblalibre.com/2017/04/13/jesus-de-nazaret-el-hijo-de-dios-en-el-cine/

 

 

Los programas en los que ha intervenido Fernando Alonso Barahona son hasta le fecha ( 1 junio 2017 ) los siguientes :

ZORRILLA, FRANCO Y EL TENORIO DE DALI

QUE ES EL PERONISMO

MENTIRA Y VERDADES DEL MCCARTHYSMO

EL RETORNO DE ORTEGA Y GASSET

EL MITO EVA PERON

EUGENIO D,ORS EL GENIO OLVIDADO

 

En el blog se ira informando de las sucesivas intervenciones en el programa .

21 junio  2017

REIVINDICANDO CINE CLASICO ESPAÑOL

 

 

 

 

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ALFONSO PASO , HOMENAJE A UN DRAMATURGO


 

En 2016 se cumplieron  noventa años de su nacimiento, y aunque la corrección política haya hecho estragos en la historia del arte y el pensamiento, el talento, el éxito y el atractivo de las obras de Alfonso Paso resisten los embates de la mediocridad y el olvido provocado .
http://www.alfonsopaso.com/biographia.htm

Alfonso Paso Gil, nació en Madrid el 12 de Septiembre de 1926. Hijo del dramaturgo Antonio Paso y de la actriz Juana Gil , se graduó en Filosofía y Letras, en la rama de Historia de América y Arqueología en 1952 ,. Despues estudio Medicina y Psiquiatría y finalmente en 1974 se licencio en Periodismo. Contrajo matrimonio con Evangelina Jardiel, hija de Enrique Jardiel Poncela y tuvo dos hijas : Paloma Paso Jardiel ( 1953 ) y Rocío Paso Jardiel ( 1954 ) , ambas actrices. El matrimonio se separo legalmente en 1961. Paso  posteriormente tendria cuatro mas ( tres hijas y un hijo ) de su relación con la actriz Manuela Rodríguez.
En 1964 nacería  su hija y heredera  Almudena  Paso Martorell  .

Su madre , Adela Martorell compartiría los ultimos años de la vida del autor . Almudena Paso lleva mucho tiempo reivindicando con fuerza y pasión el nombre, la memoria y la personalidad de su padre . Ella ha sido la artífice – con el profesor J.V.Oltra – de la publicación de Los pasos perdidos (Barbarroja 2017 ) antología de los mejores artículos periodísticos del dramaturgo . . .

Paso , fue compañero de estudios de Alfonso Sastre ( nacido también en 1926 ) , pudo estrenar su primera comedia en un acto, “Un Tic Tac de Reloj” en 1946 y tuvo que pasar temporadas de soledad y espera para lograr el triunfo comercial que luego le sonreiría plenamente . A finales de los años cuarenta participa en el grupo vanguardista “Arte nuevo “ . De este grupo ha escrito Alfonso Sastre :
Nació cuando nos reunimos un grupo de cuatro amigos en una cafetería de Madrid. Y nació porque nos propusimos hacer un teatro nuevo que acabara destruyendo el teatro español existente. Estos amigos fuimos José Gordon, Alfonso Paso, Alfonso Sastre y Carlos José Costas, a quienes se unieron en el curso de las siguientes semanas Medardo Fraile, José María Palacio y José Franco, que fue nuestro maestro en dirección de actores y de escena. Este nuevo teatro tendría que surgir, según nosotros, de la destrucción del teatro comercial. Así, yo escribí en un poema que titulé Manifiesto de un teatro de vanguardia los siguientes versos: “Venimos al asalto de los carcomidos camerinos / para fumar en ellos los cigarrillos nuevos. / No somos los gusanos de entre bastidores / etiquetados ya en las gacetillas. / Somos la gente nueva y misteriosa cuya inédita angustia / exige un escenario, una luz, un suspiro. (…)

 


Los Pobrecitos se estreno el 29 de marzo de 1957 en el Teatro María Guerrero de Madrid . El reparto lo compusieron Elvira Noriega, Pepita Velázquez, Victoria Rodríguez, Luisa Sala , Pastor Serrador, Angel Picazo . Todo un lujo . Se trata de una de sus obras magnas y la que suelen citar todos los manuales de historia del teatro . Transcurre en una pensión, donde la dueña es una tirana que trata a sus inquilinos como animales, dándoles todos los días la misma comida, no poniendo la calefacción y presumiendo de ser una gran señora y acusándoles de ser nada mas que unos pobrecitos
Todos estos personajillos, viven de ilusiones, de sueños casi imposibles. Pero un día todo cambia cuando una hora antes de que sean desahuciados empiezan a recibir sobres anónimos llenos de dinero. .

http://www.alfonsopaso.com/biographia.htm

El éxito espectacular de “Los pobrecitos “ lanza su carrera . Las siguientes obras tendrán sin embargo como estilo un humor macabro que hará las delicias de los espectadores . La afición de Alfonso Paso por el humor macabro le viene desde muy temprano, con dos hitos en su carrera: Veneno para mi marido y Usted puede ser un asesino. Con Veneno para mi marido, estrenada en 1953, Alfonso Paso comenzaba un tipo de humor macabro combinado con intriga de misterio . En 1958 se estrenaba la que puede considerarse obra maestra del género: Usted puede ser un asesino, pieza de perfecta construcción que, una vez más, unía el humor macabro a la intriga policiaca. La pieza un éxito de público y crítica, con interminables aplausos a la meritoria actuación del excelente reparto de actores. Torrente Ballester ensalzó el género híbrido cultivado por Alfonso Paso, que consistía en mezclar la farsa con la comedia policiaca con toques de humor negro . Importante fue también el elogio que dedicó Sainz de Robles a Usted puede ser un asesino, que calificó de “obra maestra de nuestro teatro contemporáneo “. Multitud de representaciones y reposiciones, versión cinematográfica ..hasta llegar a 2015 en que volvió a los escenarios con renovado éxito. Sin duda todo un clásico contemporáneo-
El 19 de enero de 1960 se estrenó con gran éxito en el Teatro Alcázar, de Madrid, Cuidado con las personas formales, protagonizada por Diana Maggi, María del Carmen Prendes, Rafael Rivelles, Ismael Merlo y Enrique Closas entre los intérpretes. El 28 de octubre de 1961 se estrena en el Teatro Infanta Beatriz, de Madrid, Vamos a contar mentiras, con un espléndido reparto de intérpretes: Amparo Baró, Maruja Recio, Manuel Alexandre, Juan José Menéndez, Ramón Corroto, Antonio Pérez, Lola Gálvez y Rafael Gil Marcos. Como señalaba Alfonso Paso en su autocrítica , Vamos a contar mentiras tiene un propósito eminentemente lúdico, sin la menor intención social. Alfonso Paso ya se había ganado a su público y no tenía la menor intención siquiera de defenderse de las críticas de las que empezaba a ser objeto por su falta de compromiso social. La obra cosechó uno de los mayores triunfos del autor :en cartel 202 días, entre el 28 de octubre de 1961 al 17 de abril de 1962 y posteriores reposiciones, versiones fílmicas …Aun se sigue representando .
Paso no olvidó el costumbrismo social , así en 1963 : La corbata , cuyo tema principal es la manera en que afecta a las tres clases sociales el embarazo de una hija soltera . Un año después otro de sus clásicos : Los Palomos se estrenó el 10 de enero de 1964 en el Teatro de la Comedia, de Madrid, con una pareja de actores de moda de la época, José Luis López Vázquez y Gracita Morales, para los que fue escrita la comedia , acompañados de Carmen Carbonell, Gemma Cuervo, Carlos Muñoz, José María Prada, Pedro Espinosa, Agustín Povedano y José Bastida. La obra fue un sonoro triunfo para Alfonso Paso y se mantuvo en cartel 140 días, con más de 250 representaciones, entre el 10 de enero y el 31 de mayo de 1964.
Alfonso Paso es, sin lugar a dudas, el autor español mas prolífico del siglo XX y el más representado. Tanto así que, en 1960 el gran dibujante Antonio Mingote publico una chiste en ABC en el que se veía a un matrimonio tomando café y leyendo el periódico. En este la cartelera se muestra repleta de obras de Paso, por lo cual el marido pregunta a su mujer, “ Que prefieres para esta noche, cine oAlfonsoPaso?”


Y es que en la temporada de 1968, Alfonso Paso tiene en 7 obras en cartel en 7 teatros de Madrid y tarde y noche, durante varios meses, el cartel de “No hay localidades” . Todos los grandes actores y actrices del momento trabajaron con el casi sin excepción ( Jose María Rodero lo hizo en Una tal Dulcinea, divertida comedia de 1961 . Y en 2016 María Luisa Merlo volvía a los escenarios con la notable Cosas de papá y mamá, otro clásico cuyo estreno se remonta a 1960 ) y los empresarios hacían cola para contratar el estreno de sus obras .
Inagotable, prolífico, efervescente, Paso interpretó varios de sus personajes en el escenario, colaboró en revistas y periódicos (ABC, El Alcázar, Semana, Diez Minutos ), colaboró en el cine con guiones y películas ..hasta llegó a grabar un disco . Presentó la serie de TV : El ultimo café ( con Antonio Garisa ) Y por si fuera poco, en los primeros años setenta desempeñó un cargo como jefe de Prensa del Ministerio de Obras Públicas .
Entre sus centenares de títulos no podemos dejar de recordar Las que tienen que servir, La zorra y el escorpión o la famosa Enseñar a un sinvergüenza un monumental éxito de José Rubio – su protagonista – y que llegó a gozar de 12 mil representaciones. Tal vez la obra más representada de la historia del teatro español .
Junto a la vertiente comercial , Paso no olvidó los proyectos arriesgados . Dos sin tres es una de ellas .

Estrenada el 19 de enero de 1967 en el Teatro Club de Madrid bajo la dirección de Ismael Merlo, con el propio Merlo acompañado en el reparto por Vicky Lagos y Manuela Rodríguez. Con solo tres personajes el texto es mordaz e incisivo al retratar las relaciones de pareja, sobre todo cuando no hay hijos ( el dos sin tres del título ) . El aburrimiento, las fantasías que mezclan realidad y ficción, las infidelidades, todo ello en una trama de suspense que entronca la obra con las mejores de J.B. Priestley . Precisamente Paso en el prólogo a la edición de la obra se reclama discípulo y admirador del popular dramaturgo . Paso cuenta además que su inspiración le vino leyendo “El amante “ de Harold Pinter . Quedó tan satisfecho de la obra que llegó a considerarla “ como una auténtica y modesta lección de cómo se construye teatro “ .Merecería sin duda una revisión atenta en los escenarios .

Neron Paso es seguramente la más ambiciosa y personal de sus obras . estrenada en el Teatro Reina Victoria de Madrid el 6 de septiembre de 1969 . LA dirección corrió a cargo de Eugenio García Toledano y los actores fueron el propio Paso en el papel protagonista, el emperador Nerón,https://es.wikipedia.org/wiki/%C3%BAs_
Jesus Enguita , Carlos Muñoz, Conchita Nuñez, Conchita Rabal, Pepe Ruiz, Tony Isbert. . En el escenario se recrea la tragedia del emperador Nerón, se presenta al tirano con una visión nueva , benévola , revisando la interpretación tradicional de su persona. Y a la vez se presenta el nacimiento y la pujanza del cristianismo bajo un prisma ciertamente original .

Los records continuaron jalonado su carrera. Paso ha sido traducido a 24 idiomas, entre ellos Italiano, Ingles, Alemán, Francés, Sueco, Noruego, Danés, Ruso, Checo, Húngaro, Japonés, Polaco, Portugués, Turco o Árabe. En 1963, su comedia “El Canto de la Cigarra” fue estrenada en el teatro Anta de Broadway, convirtiendo a Paso en el primer autor español vivo en estrenar en Broadway.
Y las obras : Los peces gordos – una de sus obras mayores de perenne actualidad – Educando a una idiota, Este cura, Nos venden el piso, Mamá con niña , El mejor mozo de España Hasta casi doscientos títulos …Todo un alarde .

En cine, aparte de colaborar en muchas de las adaptaciones de sus obras firmó como director hasta seis películas : No somos ni Romeo ni Julieta (1969), Vamos por la parejita (1969), La otra residencia (1970), Los extremeños se tocan (1970), Ligue Story (1972) y Celos, amor y mercado común (1973). Todas ellas comedias alocadas siguiendo la estela de la “ screw ball “ americana y las influencias de los hermanos Marx . No gozaron del éxito de las teatrales pero son divertidas y sirven como documentos de su época .
Galardonado con el Premio Nacional de Teatro , la revista Bulletin Hispanique publicó en1972 una larga e interesante entrevista de A Isasi Angulo al autor . El texto revela la personalidad de Paso y contiene no pocas perlas literarias . Preguntado por su fecundidad la atribuye a su personal carácter como escritor y defiende que no se puede denigrar a un autor por ser prolífico, ahí están Lope o Galdós . Reconoce Paso que no todas sus obras puedan mantener el mismo nivel pero se enorgullece de que al menos veinte pertenezcan a los repertorios mundiales .
Curioso su juicio – en 1972- de “Los pobrecitos” a la que considera anticuada y superada, pero que debe su prestigio al haber sido mitificada por la izquierda cultural cuando esta izquierda aún intentaba que el entonces joven autor fuera de los suyos.
Entre los críticos de teatro detesta a Monleón – muy politizado hacia la izquierda – y admira a Alfredo Marqueríe pese a que tras tres años de atención ( 1959-62 ) lleva desde entonces “ dándole palos “ . Su admiración por Fernando Arrabal también sorprenderá al lector contemporáneo .
Y no elude el espinoso tema del teatro comercial . Qué hacer ¿, tal vez aferrarse a un purismo ensordecedor o amoldarse y pactar con el público . Paso defiende su apuesta de compromiso, cal y arena , y añade que rechazó obras difíciles no por ser minoritarias sino por considerarlas estúpidas . Considera a Neron Paso, obra muy arriesgada, la mejor de entre las suyas – junto a Cena de matrimonios y Usted puede ser un asesino – y relata las peripecias de su montaje : “Me costó dinero porque nadie creía ella (..) es un feroz ataque a todos los convencionalismos “ . Igualmente la escéptica “En el Escorial , cariño mío “ y Rebelde, en la que pone en solfa a izquierdas y derechas con desdén . Paso , por otra parte, abomina de las críticas oficiales , de las antologías, de todo lo que no sea teatro real y vital . Su independencia le acarrearía numerosos problemas . .
Eduardo Haro Tecglen, tan distante de su persona y sus ideas le recordaría con afecto estableciendo además un ajustado paralelismo entre las carreras de Alfonso Paso y Alfonso Sastre ( ambos tras empezar juntos siguieron trayectorias opuestas en lo personal , en lo profesional y en lo político ) . :

Hizo un teatro abundante, barroco, rebosante de personajes, de situaciones, de diálogo. Cayó sobre él la calumnia: se dijo que tenía negros, o que utilizaba los apuntes de su suegro, Jardiel: es uno de los medios que el personaje abstracto del teatro tiene para defenderse de quienes le quieren penetrar. Seguramente, todo era falso. Lo que era Alfonso Paso era un trabajador incontenible. Un día me explicó su sistema: escribía dos horas diarias, al volver a casa por la noche, o la madrugada. Podía venir de un estreno suyo fracasado o triunfante, de un drama sentimental, de un enamoramiento: en cualquier caso, se sentaba y escribía, durante dos horas. Y dos horas, decía, «dan mucho de sí».

En sus últimos años tras la muerte de Franco, Alfonso Paso descubrió y admiró a Jose Antonio Primo de Rivera y no dudó en colaborar con medios falangistas aparte de seguir diseccionando con acidez la situación político y social que le tocó vivir . Hizo café teatro cuando las salas empezaron a esquivarle y multiplicó sus colaboraciones periodísticas en revistas y diarios ( El Alcázar acogió sus artículos finales ). Su ultimo éxito notable fue La zorra y el escorpión, estrenada en 1977 por Elisa Ramírez y Armando Calvo . En 1984 se llevó al cine protagonizada por Esperanza Roy . Y en 1987 se repuso en los escenarios ahora con Alberto Closas y Leonor Benedetto al frente del reparto .
Hasta que la enfermedad  de cáncer hizo presa en su ser . De nada sirvió el tratamiento novedoso en una clínica de Londres . Hubo de volver a su querido Madrid .
El 10 de Julio de 1978, Alfonso Paso fallecía en Madrid tras perder una dura y penosa batalla contra el cáncer que finalmente acabo con su vida.
Su recuerdo permanece vivo en los escenarios , en España y en el mundo .  Fue sin duda uno de los grandes  .

https://rua.ua.es/dspace/bitstream/10045/52050/1/tesis_jose_paya_beltran.pdf

( tesis doctoral sobre el teatro de Paso )

 

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CHARLTON HESTON , LA EPICA DE UN HEROE


 

 

Charlton Heston nació en Evanston (Illinois ) el 4 de octubre de1923. Casado desde 1944 con Lydia Clarke tuvo dos hijos, Fraser (1955 ) , director de cine con películas como Alaska, Needful things o La isla del tesoro .  y Holly Ann . Es sin duda uno de los iconos del cine del siglo XX gracias a su presencia carismática en un puñado de películas que ya forman parte de la mejor historia del cine . Heston fue además un  gran actor de teatro ( intérprete apasionado de Shakespeare ) y activista en causas tan diversas como la igualdad y la no discriminación entre negros y blancos (participó en la Marcha por la libertad de Martin Luther King ) hasta la defensa de la Segunda enmienda – el derecho a portar armas – presidiendo la Asociacion Nacional del Rifle (NRA ) . Filmó también el documental contra el aborto : El eclipse de la razón y publicó aparte de sus Diarios de cine y sus Memorias como actor varios libros de pensamiento como The courage to be free y el emotivo y magnífico  Letters to my grandson una visión de la historia, la política y la cultura dirigido a su nieto .

 

diez

Su legado cinematográfico como actor es impresionante :  Pasión bajo la niebla (Ruby Gentry ) de King Vidorespléndido melodrama al lado de Jennifer Jones – y El mayor espectáculo del mundo, de Cecil B de Mille, ganadora del Oscar a la mejor película iniciaron su camino del éxito . Luego vendrían : , Cuando ruge la marabunta (The naked edge ), Los Diez Mandamientos (The ten Commandments ), Sed de mal (Touch of evil ), Horizontes de grandeza (The big country ), Ben Hur, El Cid, 55 dias en Pekín , El tormento y el extasis (The agony and the ecstasy ), Khartoum,  El planeta de los simios (The planet of the apes ), El señor de la guerra (The war lord ),  Mayor dundee, Will Penny,  The Omega man , Cuando el destino nos alcance (Soylent green ), Terremoto (Earthquake ), Marco Antonio y Cleopatra,  Mother lode,  A man for all seasons, La isla del tesoro (Treasure island ) a las órdenes de directores como Cecil B. de Mille, William Wyler, Orson Welles, King Vidor, Nicholas Ray, Anthony Mann, Carol Reed, Byron Haskin, Franklin J. Schaffner, Richard Fleischer, San Peckinpah ....conforman la carrera excepcional de un auténtico héroe épico que como el Cid Campeador, en la vida y en la muerte, fue el ” más noble caballero andante que jamás ciñera espada “.

 

Es difícil seleccionar sus grandes interpretaciones .  Desde luego Sed de mal de Orson Welles se ha convertido en un film de culto. Heston impuso a Welles en la dirección y le permitió crear una de sus más personales y fascinantes películas .  En la década de los sesenta del pasado siglo Heston adquirió su máxima madurez creativa y la empleo junto a su influencia como estrella para apoyar proyectos complejos, de gran calidad artística que seguramente no se hubieran rodado de no ser por su presencia .  Así nació El señor de la guerra de Franklin J. Schaffner historia de amor y desolación en la época feudal con una bellísima puesta en escena y un clima poético y guerrero  perfectamente conseguido .  Will Penny, de Tom Gries  “ western “ crepuscular sobre un vaquero de mediana edad que ve su vida escaparse sin haber conocido de verdad su propia existencia fue otro empeño personal de Heston y supuso una de sus mejores interpretaciones  .  Mayor Dundee de Sam Peckinpah es otro western original , duro y lleno de aristas . Cuando el dinero de la producción se terminó el actor donó su salario para que el polémico y brillante Peckinpah pudiera termina la película .  Y está por supuesto El planeta de los simios, también de Schaffner , obra maestra e impactante parábola sobre el sentido de la vida y la historia del ser humano y que dio lugar a una saga de continuaciones y en la actualidad a una franquicia con múltiples títulos . Ninguno alcanzaría la calidad de la original .

hestonson

Heston también encarnó héroes como el general Gordon en Khartoum, de Basil Dearden ,  santos como Juan el Bautista en La historia más grande jamás contada , de George Stevens y genios como Miguel Angel en El tormento y el extasis  de Carol Reed .

En el inicio de los años setenta cultivó sobresalientes película de ciencia ficción como Cuando el destino nos alcance, de Richard Fleischer para después encarnar a héroes contemporáneos en películas de catástrofe.    Y nunca abandonó el cine histórico encarnando sucesivamente al cardenal Richelieu (Los tres mosqueteros ), Enrique VIII (El príncipe y el mendigo ) y a Santo Tomas Moro ( El poder del triunfo , dirigida por el propio actor ).   Y sin dejar a un lado las adaptaciones de Shakespeare interpretando a Marco Antonio en Julio César, de Stuart Burge y en Marco Antonio y Cleopatra , dirigida por él mismo.

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Charlton Heston estuvo varias veces en España  desde la época de Sam Bronston en 1960 hasta 1999 en el rodaje de la miniserie Camino de Santiago, inspirada en un relato de Arturo Pérez Reverte .   Cuando las grandes productoras tal vez temerosas de su incorrección política y de su apoyo a las causas conservadoras le fueron relegando, creo su propia empresa : Agammenon y asociado con su hijo Fraser produjo documentales sobre la Biblia, la historia de la Opera o cuidadas adaptaciones de novelas clásicas como La isla del tesoro y El crucifijo de sangre , ambas dirigidas por Fraser C. Heston . En la última encarnaba dada menos que a Sherlock Holmes .

 

Y por supuesto su recuerdo universal se fija en tres grandes superproducciones históricas que se cuentan además entre las películas más populares de la Historia del Cine : Los Diez Mandamientos , Ben Hur y El Cid.

En octubre de 1954 Cecil B. De Mille ( 1881-1959 ) y su equipo zarparon con destino a El Cairo para comenzar el rodaje de una de las grandes obras de la historia del cine, la que iría siempre y en todos los lugares del mundo unida  indeleblemente a su nombre : Los Diez Mandamientos .

El investigador Henry Noerdlinger había estado investigando durante años, , consultó millares de libros y revistas y fotografías , el resultado fue un libro científico editado por la Universidad de California del Sue : “Moisés y Egipto “.. El primer milagro de “Los Diez Mandamientos “ es su capacidad para unir rigor y aventura, religión y drama , pasión e historia . Todos y cada uno de los elementos de la película están reconstruidos según la documentación histórica más rigurosa, incluso las Tablas de la Ley y los grabados que en ella aparecen . Pocas personas iban a ser conscientes de este esfuerzo, pero el espíritu de De Mille al hacer la película era el mismo que animaba a los autores de las grandes catedrales : emplear el arte para dar testimonio de la grandeza de su fe .  Meses de rodaje, un reparto fabuloso encabezado por Charlton Heston ( cuyo parecido con la célebre estatua de Moisés creada por Miguel Angel, le proporcionó el papel ), Yul Brynner, Anne Baxter, Edward G, Robinson, Yvonne de Carlo   , un infarto sufrido por De Mille en la primavera de 1955….. El rodaje concluyó el 13 de agosto de 1955 pero el montaje final no estuvo listo hasta febrero de 1956  . Los Diez Mandamientos  es la culminación de la grandiosidad de Hollywood, un formidable espectáculo de cultura popular, una lección narrativa de cine y una película comprometida que constituye el máximo esfuerzo del cine para difundir la palabra de Dios . .

 

Ben-Hur ( 1959 ) – una historia de los tiempos de Cristo –  se planeaba desde 1956 con un guión original de Karl Tunberg adaptado de la novela de Lew Wallace, ya filmada en 1925 por Fred Niblo. William Wyler aceptó tras algunas dudas y enseguida comenzó la carrera para elegir al actor protagonista. Como iba a rodarse en Italia se presentó la candidatura de Cesare Danova, un actor entonces emergente, y pronto comenzaron a circular otros candidatos: Marlon Brando, RockHudson, KirkDouglas ..
Herman Citron, el agente de Charlton Heston, logró que el papel de Mesala –el antagonista– le fuera casi reservado a Heston. Pero la elección aún no era firme. Un día de principios de 1958 Cecil B. De Mille, el viejo pionero y maestro, autor de Los Diez Mandamientos, aún en triunfo en todo el mundo, habló con el actor. Le preguntó por Ben-Hur. Heston le dijo que tal vez pudiera intervenir dando vida a Mesala. De Mille frunció el ceño y le respondió: “Tú debes ser Ben-Hur. Si quieres hablo con Willy Wyler, aunque a los directores nos gusta elegir nosotros mismos a los actores y tal vez se enfade… Pero tú debes ser Ben-Hur”.

Pocos días después, Wyler llamó al protagonista de Los Diez Mandamientos y le dijo: “Chuck, el papel de Judah Ben-Hur es tuyo“. Ello dejó libre a Messala que fue ofrecido a Stewart Granger, éste vaciló y cuando quiso aceptar el papel ya había sido asignado a Stephen Boyd.

Una escena clave era la del reencuentro de los dos viejos amigos tras años de lejanía. Un encuentro, una amistad, que pronto se convertiría en odio mortal. Wyler repasaba la escena sin que le convenciera el guión original. Se llamó entonces al novelista Gore Vidal, un tanto provocador. Fue Vidal el que propuso un cambio insólito. La raíz de la relación entre los dos amigos se remontaría a su juventud: Mesala se habría sentido entonces atraído por Judah en una pulsión homosexual, y habría sido el rechazo del pretendido amante el que propició la cadena de odio.

A Wyler no le gustó la solución y Gore Vidal fue despedido a los tres o cuatro días de trabajo. Se recurrió entonces al poeta y escritor inglés Christopher Fry, que fue el autor final de la reescritura de esta escena y de muchas otras en el guión original, aunque los créditos solo reconocieron al primitivo Karl Tunberg.

Gore Vidal contaría después que medio guión de Ben-Hur era suyo, y que la escena en cuestión se había rodado tal y como el la escribió. Nada de ello es cierto. Charlton Heston anotó un diario exhaustivo de aquel rodaje y registra de manera exacta el día en el que Vidal apareció, la negativa de Wyler  .y del propio actor que en ningún momento fue engañado sino que rechazó la visión propuesta y el posterior despido. El propio director corroboraría años después las anotaciones de Heston.   Ben Hur obtuvo once Oscars y hoy es uno de lo grandes iconos del Séptimo Arte , sobre todo la mítica carrera de cuadrigas .

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El Cid  1961 es la historia de un héroe que sabe amar ( la reconciliación con Jimena es un momento mágico de romanticismo y belleza ), cumplir con su deber ( la jura de Santa Gadea en la que obliga al Rey Alfonso a jurar que no tuvo parte en la muerte de su hermano don Sancho ), pelear ( el juicio de Dios de Calahorra , un ejemplo de montaje y puesta en escena absolutamente antológica ) , perdonar ( España tiene por fin un rey, le musita herido de muerte al rey Alfonso cuando éste reconoce por fin su error y corre a su lado ) y morir ( la antológica escena de la muerte de Rodrigo – El Cid – agarrado al brazo de Jimena y haciéndola prometer que a la mañana siguiente habrá de conducir a sus tropas a la victoria, vivo o muerto .  La imagen del Cid, en unidad con el rey Alfonso – Dios , El Cid , España gritan los soldados – logra la victoria después de muerto y ahuyenta las tropas musulmanas del fanático Ben Yussuff .

 

    Anthony Mann ( su obra fue analizada con entusiasmo por Felix Martialay en los especiales de  la revista Film Ideal de la época ) logró transmitir unas imágenes de poderosa belleza , desde el paisaje agreste de Castilla hasta la emocionante secuencia final : el héroe cabalgando en la playa y perdiéndose en el horizonte tras haber cruzado las puertas de la Historia para entrar en la leyenda .  Charlton Heston es el Cid en su más pefecta encarnación – como supo reconocer Ramon Menéndez Pidal , el mayor especialista cidiano en todo el mundo – , héroe, valiente , esforzado, el caballero andante en su expresión suma . Sofia Loren posee la belleza serena que otorga a doña Jimena un carácter parecido a Dulcinea, pero es también la mujer fuerte que defiende la memoria de su padre y cumple la última voluntad de su esposo .

El Cid es poesía épica – a lo que ayuda la banda sonora de Miklos Rozsa –  una película bellísima, perfecta en su concepción, desarrollo y personajes, producida con amor y pasión por Samuel Bronston que logró convertir el personaje histórico español en una leyenda universal para las nuevas generaciones que se acercan a la película y reviven el Romancero , la Reconquista de España .

Tuve la oportunidad de publicar dos libros sobre el : Charlton Heston, películas (Cileh 1992 ) y Charlton Heston, la épica de un héroe (Ediciones Internacionales Universitarias 1999 ) y el privilegio de mantener correspondencia durante casi siete años .

Charlton Heston  , que padecía Alzheimer desde 2002 aunque mantuvo presencia pública hasta el inicio de 2004 , falleció víctima de una neumonía el 5 de abril de 2008 a los ochenta y cuatro años . Su gloria y recuerdo permanecen en la memoria de los cinéfilos de varias generaciones aunque algunos sectarios hayan tratado de disminuirle a causa de su compromiso intelectual en contra del “ establishment “ progresista .

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RECUERDO DE EDGAR NEVILLE


 

 

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«Nos damos la gran vida los que tenemos propensión a ello, los que gastamos todo lo que ganamos no en comprar valores ni en hacer negocios, sino en vivir como queremos».

(Edgar Neville)

Se conmemora el cincuenta aniversario de la muerte de Edgar Neville ( 1899-1967 ) . Fue uno de los escritores , dramaturgos y cineastas más destacados del siglo XX . Pese a ello algunos indocumentados y/o sectarios quieren evitar que su nombre ocupe espacios públicos en virtud – dicen – de la llamada ley de memoria histórica . El talento de Neville se encuentra muy por encima de la mediocridad de los santones de la corrección política .
Pese a la apariencia extranjera de su nombre, Edgar Neville nació en Madrid en 1899 en el seno de una familia aristocrática. Hombre vital por encima de todo, gran conversador y tertuliano , alternó sus estudios universitarios y su posterior carrera diplomática con los ambientes intelectuales de la época, no sólo en España sino más adelante en Los Angeles, donde vivió en calidad de cónsul
Formó parte de «La otra Generación del 27», la de unos jóvenes humoristas (Miguel Mihura, José López Rubio, Tono, Antonio Robles…) que compartían tertulias y experiencias vitales con sus homólogos supuestamente serios o los poetas.
Neville fue amigo y admirador de Federico García Lorca, mientras se consideraba discípulo de José Ortega y Gasset, seguidor de Ramón Gómez de la Serna y cultivador del teatro, la poesía, la novela , el cine y la pintura . Sin duda un gran humanista ,
Fue durante su estancia en California cuando descubrió Hollywood y las versiones en español de sus películas para el mercado hispanohablante; Sin dudarlo comenzó a trabajar como dialoguista en estas versiones y entremedias se hizo buen amigo de Chaplin .
En Nueva York escribió su novela Don Clorato Potasa y aprendió a hacerse cosmopolita .
El conde de Berlanga del Duero siempre había vivido como un rico. Aparte de heredar una considerable fortuna, era marido de Angeles Rubio- Arguelles, cuya madre Carlota Alessandri, era una rica propietaria . El matrimonio dejó de funcionar enseguida pero Neville lo mantuvo pese a alternar numerosas frivolidades con mujeres brillantes como el . La mayor de todas la gran actriz Conchita Montes .
El estallido de la guerra le aconseja salir de España a la que volvería en 1937. Trabajó como documentalista para el Departamento de Dionisio Ridruejo y filmó una notable película : Frente de Madrid sobre la vida dura del Madrid en guerra .
Edgar Neville también fue hábil a la hora de mantener un espacio privado de libertad en una sociedad tan cerrada como la española de la posguerra. Convivía con Conchita Montes sin estar separado de su esposa ni dejar de interesarse por otras pasiones más pasajeras, acudía a las tertulias madrileñas Ella era la cabecera de cartel de sus obras de teatro , siempre ella con su elegancia, porte y distinción .
Sin dejar los artículos ni la escena el cine se convirtió pronto en una de sus tareas principales . Sus mejores películas se mantienen frescas y hoy son pieza de admiración para cinéfilos .
La torre de los siete jorobados, 1944 una de las principales obras de culto del cine español : Antonio Casal , uno de los actores del momento , gana en la ruleta gracias a la ayuda de un fantasma al que solamente él puede ver; enamorado de la hija del fantasma, se esfuerza en salvarla de la conspiración de una extraña secta de delincuentes que opera desde un entramado de laberintos situados bajo las calles de Madrid que parecen salidos de una película del expresionismo alemán

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La vida en un hilo 1946 es la comedia por excelencia de su época La sombra de Lubitsch planea claramente sobre una historia de ambiente burgués con un alto grado de ironía pero con un punto de interesante reflexión : Conchita Montes, se lamenta a la muerte de su marido, de lo insípida que fue su vida con él y echa la culpa al destino de no haberle dado la oportunidad de ser feliz. Sin embargo, una vidente con la que se encuentra le recuerda que ella una vez tuvo la ocasión de elegir entre dos hombres y dos tipos de vida y le muestra lo que hubiera sido su existencia en el caso de elegir al otro pretendiente. Es el cruce de trayectorias que hubiera encantado a Borges y a Julian Marías .
Nada 1947 era la adaptación cinematográfica de una novela de la escritora Carmen Laforet , premio Nadal . En ella de nuevo la gran Conchita Montes encarna un complejo personaje femenino : una mujer se traslada a casa de sus tíos para estudiar en la universidad y poco a poco va adentrándose en el mundo de sus extraños familiares y descubriendo sus secretos
El último caballo, 1950 con Fernando Fernán Gomez , es la historia de un recluta que finalizado el servicio militar no encuentra donde cobijar a su caballo porque los vehículos de motor están arrinconando a los de tracción animal. De 1959 es El baile , una de sus obras de éxito en la escena aquí protagonizada por Conchita Montes, Alberto Closas y Rafael Alonso.
Y en 1960 Mi calle, llena de encanto, dibujo coral de los personajes y un desenlace que recuerda Madrid de corte a checa de Agustín de Foxá .
Redescubrir a Edgar Neville es tomar contacto con la elegancia, la ironía, el talento y un estilo que nunca se ha ido del todo porque permanece en los corazones .

http://www.cervantesvirtual.com/obra-visor/edgar-neville-la-biografa-de-un-bont-vivant-0/html/01dd1884-82b2-11df-acc7-002185ce6064_2.html

Sin duda Neville fue uno de los grandes del cine español de su tiempo , junto a Rafael Gil, José Luis Saenz de Heredia o Juan de Orduña . Y su talento y calidad permanecen para disfrute del buen aficionado al cine .

 

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CINE AMERICANO . UNA SEMBLANZA


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Andrew Sarris ( 1928-2012 ) en su famoso libro American cinema , http://ebiblioteca.org/?/ver/85601 construyó una visión muy personal sobre el cine norteamericano que gozó de gran influencia durante décadas . Sarris seguía la teoría del cine de autor inventada por Truffaut y los chicos de Cahiers du Cinema años antes, si bien tamizada por su original prisma crítico .
En general Sarris acertaba en sus apreciaciones, aún con errores clamorosos como su cierto desdén por el gran Billy Wilder . Tres décadas después, en su libro You Ain’t Heard Nothing Yet: The American Talking Film, History and Memory 1927-1949, Sarris cambió su parecer respecto de Wilder y lo incluyó dentro del “panteón” que creó en The American Cinema . Algunos otros grandes directores olvidados por el escritor eran David Lean, Rouben Mamoulian, Henry King o Carol Reed .
Por supuesto Ford, Hitchcock, Hawks, Fritz Lang o Chaplin encabezaban un Olimpo del que aguardaban muy cerca Walsh, Vidor o Cecil B. de Mille .

 

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La clasificación de cineastas norteamericanos – con inclusiones de directores del mundo ya que casi todos hicieron al menos una película en Hollywood – entre 1929 y 1968 según Sarris hizo fortuna en muchos cinéfilos de todo el mundo ( es de lamentar la posibilidad de que los aficionados contemporáneos puedan conocer muy poco de este libro y de sus apreciaciones ).
EL OLIMPO DE LOS DIRECTORES, Ya hemos mencionado a Ford, Hawks, Hitchcock, Lubitsch, Jean Renoir , Chaplin
THE FAR SIDE OF PARADISE . Los que estaban muy cerca del paraíso . Vidor, De Mille, Frank Capra. Vincent Minnelli, Douglas Sirk ….
EXPRESIVE ESOTERICA . cineastas extraños al margen de modas . Entre ellos Donen, Joseph H. Lewis, Frank Tashlin, Budd Boetticher .
LOS SOBREVALORADOS . Con la presencia de David Lean, Billy Wilder, John Huston, Rouben Mamoulian …

FRINGE BENEFITS . buenos directores con apenas producción en Hollywood . Chabrol, Eisenstein , Rossellini, Antonioni , Polanski.
LIGHTY LIKEABLE . artesanos y buenos profesionales sin pretensiones pero con buenas películas . John Cromwell, Delmer Daves, Henry Hathaway, Mervin le Roy , W.S.Van Dyke
CON TALENTO PERO EXCESIVAMENTE SERIOS . Dassin , Kubrick , Lumet o Robert Rossen
RAREZAS, CINEASTAS DE UNA SOLA OBRA , RECIEN LLEGADOS . Charles Laughton, Boorman , Peckinpah , o Francis Coppola
LOS COMICOS . sobre todo Jerry Lewis
CINEASTAS QUE PUEDEN ESPERAR UNA NUEVA EVALUACION . Tod Browning, Henry King …
MISCELANEA . directores inclasificables . Entre ellos John Brahm, William Dieterle …

 

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Sin duda un clasificación discutible pero apasionante . Y no se puede resistir la tentación de ofrecer una CLASIFICACION PERSONAL .

He aquí :

EL OLIMPO : John Ford, Howard Hawks, Alfred Hitchcock, Cecil B. de Mille, Fritz Lang, Raoul Walsh , King Vidor, Anthony Mann, Leo McCarey , Orson Welles, Charles Chaplin, Billy Wilder . ( a los que fuera de Hollywood cabría añadir a Fellini, Visconti, Rossellini , Renoir, Truffaut , Dreyer, Bergman o Luis Buñuel ).

THE FAR SIDE OF PARADISE . George Stevens , Mervin le Roy , Frank Borzage, Henry King, Henry Hathaway , Terence Fisher, Carol Reed, Richard Fleischer , John Huston, Ernes Lubitsch, George Cukor , Tod Browning , John Sturges , Vincent Minelli, Douglas Sirk, Otto Preminger , Nicholas Ray , Rouben Mamoulian .

ESOTERICA. Allan Dwan, Edgar G. Ulmer, Joseph H. Lewis, Budd Boetticher , Richard Boleslawsky, Phil Karlson, Byron Haskyn , Kurt Neumann , Robert Siodmak, John M. Stahl ,  John Cromwell , William Dieterle , Stanley Kubrick , Mitchell Leisen , Max Ophuls .

LIGHTY LIKEABLE . W.S. Van Dyke , Robert Z. Leonard, Victor Fleming, Richard Thorpe, J. Lee Thompson, Stanley Donen, George Sidney , Michael Curtiz , Robert Florey , Gregory La Cava , Preston Sturges., Delmer Daves . Richard Quine , Joseph Leo Mankiewicz, Richard Brooks , Edmund Goulding  .

 

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COMICOS . Jerry Lewis, Frank Tashlin, Buster Keaton .

MODERNOS Y CONTEMPORANEOS . Francis Coppola, Martin Scorsese, Steven Spielberg, Clint Eastwood, Mel Gibson , John Milius, George Lucas, Tim Burton, James Cameron , Woody Allen , John Carpenter , David Cronenberg, Peter Weir ,  Peter Jackson , Sylvester Stallone , David Lynch, Paul Verhoeven .

DEL RESTO DEL MUNDO . Rene Clair, Abel Gance , Godard, Chabrol, Julien Duvivier, Melville, Antonioni, Pasolini , De Sica , Zeffirelli , Mario Bava, Sergio Leone, Ricardo Freda , Pabst , Leni Riefensthal, Eisenstein, Dovjenko, Pudovkin, Tarkovski , Polanski, Carol Reed, David Lean, Basil Dearden, Alain Tanner, Emilio Fernández, Ismael Rodríguez, Flaherty , Fassbinder, Wim Wenders, Andrecj Wajda, Ozu , Mizoguchi , Kurosawa, Naruse , Clouzot , Kieslowski .

ESPAÑOLES . Rafael Gil, J.L. Saenz de Heredia, Ladislao Vajda, Luis Berlanga , Lazaga, Ardavín, Orduña , Carlos Saura , Mario Camus, Pedro Lazaga, Forque , Erice, Jacinto Molina, Armiñán, Bardem , Borau , Bigas Luna, Jose Luis Garci, Gutierrez Aragón, Pedro Almodóvar , Amenábar , Juan Pinzás, Isabel Coixet .

PIONEROS . David W. Griffith

 

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