PELICULAS OCULTAS . AMERIGEDDON  o LA REVUELTA CONTRA EL GLOBALISMO . Fernando Alonso Barahona


 

 

PELICULAS OCULTAS . AMERIGEDDON  o LA REVUELTA CONTRA EL GLOBALISMO

Fernando Alonso Barahona 

 

También el cine norteamericano produce de cuando en cuando películas tan políticamente incorrectas que no llegan a los canales habituales de distribución y resultan sistemáticamente silenciadas .  Una de ellas es sin duda Amerigeddon , producción de 2016 dirigida por Mike Norris, uno de los hijos del mítico Chuck Norris .

La película con un presupuesto muy ajustado de 387 mil dólares ( algo insólito en los estándares de Hollywood ) ha sido escrita y producida por el mecenas y empresario Gary Heavin . Este millonario tejano dueño de la famosa franquicia de fitness : Curves . se lanzó en 2013 a producir películas que tuvieran algo personal y diferente a las producciones habituales de la corrección política, así en 2013 financió Mission Air, una película cristiana sobre la odisea personal y espiritual  de una madre y su hijo en  México .  Ahora escribe y financia esta atrevida Amerigeddon que se inspira en Amanecer rojo ( la película de 1984 de John Milius ) y en Invasion USA 1985, de Joseph Zito, con Chuck Norris,  para narrar una historia inquietante : En Estados Unidos una organización terrorista de signo globalista que ya ha logrado apoderarse de  Naciones Unidas quiere hacerlo ahora lo mismo con el Gobierno estadounidense . Se requisan todas las armas de la población, se adormecen sus valores y finalmente se decreta la ley marcial, un auténtico golpe de Estado que parece haber vencido a una sociedad adormecida y sin valores .  Pero un grupo de patriotas, chicos y chicas en Texas deciden resistir . Sobre ellos recaerá la ultima esperanza para la libertad de América .

Mike Norris eligió como frase de promoción de la obra  : “La película que el Gobierno no quiere que la gente vea “ ( recordemos que su estreno tuvo lugar en el otoño de 2016 aun con Obama en la Presidencia . Mike Norris – al igual que su padre Chuck – apoyaron a Donald Trump en la contienda electoral de noviembre .

En el reparto una joven y atractiva India Eisley , Dina Meyer , Marshall Teague ( que apareció en varios episodios de Walker , Texas Ranger ) , el propio Mike Norris y la nostalgia de recuperar a la veterana Diane Ladd .

El escaso presupuesto se percibe ( la película se puede visionar en Internet ) y las actuaciones son espontáneas, a veces tal vez en exceso , pero Amerigeddon sorprende por su atrevimiento, su lenguaje políticamente incorrecto y su decidida visión negativa del globalismo ( lo que ha causado su silenciamiento . Ahora su edición en DVD – solo en USA de momentoi – podría paliar este hecho .

 

Merece la pena descubrir esa película primaria, imperfecta pero sin duda excitante .

Podemos descubrir más datos de la película en el enlace  del tráiler oficial de la película :    https://www.youtube.com/watch?v=2366NOeOQcY

Asi como la jugosa entrevista con Mike Norris :   https://www.youtube.com/watch?v=eIunb86HO2E     en ella cuenta como durante su presentación en Ohio fue victima de un atentado ( con veneno en la comida ) que pudo ocasionarle la muerte .

Y por fin será muy ilustrativa la página web original de la película :

http://amerigeddonthemovie.com/

 

 

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OLIVIA DE HAVILLAND . Fernando Alonso Barahona


 

Pasear a su lado por la vida fue muy agradable, señora”.

Custer (Errol Flynn ) a su esposa (Olivia de Havilland ) . Murieron con las botas puestas . ( 1941 Raoul Walsh )

 

Olivia de Havilland, nacida en Tokio el 1 de julio 1916  y cuya hermana Joan Fontaine casi logró ser tan longeva como ella ( 1917-2013 )  ha muerto en París el 26 de julio de 2020 , a los 104 años .

Era la hija primogénita de padres británicos, Walter de Havilland (1872-1968), abogado que ejercía en Japón, y Lillian Fontaine (1886-1975), actriz. Su hermana menor fue la también inolvidable Joan Fontaine (1917-2013),  Tras la separación de sus padres, la familia se trasladó a Estados Unidos . Ahí empezaría un nuevo mundo .  Sobre todo cuando en 1935, con solo 18 años entra en la Warner , una de las “ majors “ del gran Hollywood clásico .

Parecía inmortal y sus interpretaciones lo serán mientras sigan existiendo las películas . Olicia pertenece al recuerdo, a los sueños, a la belleza de la creación artística y en ese ámbito no se envejece , no se muere ,

Su participación en la fabulosa  Lo que el viento se llevó (1939), interpretando a Melania, la encumbró al estrellato y su primera nominación al Oscar a la mejor actriz de reparto.  La película, una obra maestra absoluta, obtuvo diez Oscar y se convirtió en la más popular de toda la historia del cine ( junto a las posteriores Los Diez Mandamientos, 1956 de Cecil B de Mille  , Ben Hur 1959 de William Wyler y Sonrisas y lágrimas , 1965 de Robert Wise ).

Antes había formado pareja con Errol Flynn ( 1909-1959 ) uno de sus amores de juventud ,

Cuando se conocieron  la historia de la Warner cambió para siempre. “Fue un fechazo”, diría ella .  . Compartieron aventuras   en ocho películas  inolvidables entre 1935 y 1941, siete de ellas dirigidas por Michael Curtiz (‘Capitán Blood,’ ‘La carga de la Brigada Ligera’, ‘Four’s a Crowd’, ‘Robin de los Bosques’, ‘Dogde, ciudad sin ley’, ‘The Private Lives of Elizabeth and Essex’ y ‘Camino de Santa Fe’). Su colaboración acabó con ‘Murieron con las botas puestas’ (Raoul Walsh, 1941) , una obra maestra absoluta con esa escena de la despedida entre Flynn y Olivia de tinte shakesperiano y que no puede contemplarse sin sentir como las lagrimas turban la mirad

Olivia de Havilland paso entonces a interpretar personajes dramáticos a los que aportaba su mirada dulce que a menudo encubría un carácter fuera de lo común Obtuvo dos Óscar en su larga carrera: La vida íntima de Julie Norris (1946, ) de Mitchell Leisen ( una historia femenina insólita en su época )y La heredera (1949) de William Wyler, otra de sus grandes obras maestras .Adaptacion de un texto de Henry James cuenta la vida de una mujer soltera, poco agraciada que vive dominada por su padre (Ralph Richardson )  . Un día se enamora de un joven atractivo (magnífico Montgomery Clift ) sin fortuna sin sospechar que el dinero de la herencia es lo que mueve los sentimientos de éste . El desenlace será demoledor, uno de los más impresionantes de la historia del cine .

Olivia de Havilland demostró su talento en películas complejas como A través del espejo, de Robert Siodmak, donde da vida a dos hermanas gemelas muy diferentes una de las cuales ha cometido un crimen ,  y Nido de víboras, de Anatole Litvak donde interpreta a una mujer víctima de terribles pruebas de psiquiatría . El argumento clava su fuerza en el espectador : Un sentimiento de culpa con raíces muy profundas hace enloquecer hasta tal punto a una escritora recién casada, que tiene que ser internada en un centro psiquiátrico; pero el tratamiento al que es sometida contribuirá a agravar más su estado

Y no podemos olvidar Si no amaneciera (1941), de Mitchell Leisen, con Charles Boyer y Paulette Godard , Es uno de los títulos mas románticos del cine .

El es un bailarín rumano que ha abandonado Francia para rehacer su vida en los Estados Unidos, pero  no puede entrar en el país debido a las leyes de inmigración.  Pacta entonces con su novia (Paulette Godard ) un matrimonio de conveniencia con una ingenua institutriz (Olivia de Havilland ).  Pero ambos vivirán una noche única, donde surge la magia , un viaje único, un accidente . Si no amaneciera …si la noche fuera eterna ,,,,Inolvidable .

A partir de los años cincuenta espació sus trabajos; la pudimos ver en No serás un extraño, 1955 melodrama médico de Stanley Kramer, con Robert Mitchum , Frank Sinatra, Gloria Grahame y Lee Marvin . Y en el western familiar y entrañable El rebelde orgulloso 1958 de Michael Curtiz, con Alan Ladd .

Robert Aldrich la hizo regresar con Cancion de cuna para un cadáver, 1966 , historia de suspense y crímenes junto a Bette Davis, un duelo entre estrellas ya veteranas que hizo saltar chispas en la pantalla .  La película es una secuela del gran éxito anterior de Aldrich ; Que fue de Baby Jane . Esta película sobre la relación cruel entre dos hermanas  ( interpretadas por Bette Davis y Joan Crawford ) tenía ecos del famoso odio entre Olivia y su hermana, la grande Joan Fontaine . Una rivalidad que duró casi toda su vida . Joan murió a los 96 años, y Olivia ( un año mas joven ) ha alcanzado a cumplir los 104.

La vida privada de Olivia, sus dos matrimonios , sus dos hijos , sus romances, han permanecido en elegante discreción, tan solo la feroz relación entre las dos hermanos traspasó el silencio para ocupar las páginas de las revistas ,

Ambas vivieron los años mejores del séptimo arte desde  diferentes apellidos  ya que no querían que se las relacionase . Hoy son leyenda viva del séptimo arte .

Tambien se hizo famoso el pleito que De Havilland planteó a la Warner para obtener libertad en la elección de películas .  Olivia se quejaba de que los papeles que le proporcionaban  eran siempre por ejemplo  inferiores a  los de Bette Davis  .  La Warner la castigó con seis meses de suspensión .  Era la costumbre cuando una actor bajo contrato se negaba a trabajar en una película .

https://www.revistavanityfair.es/cultura/entretenimiento/articulos/olivia-de-havilland-cambio-para-siempre-la-vida-de-las-estrellas-en-hollywood/22563

   Cuando transcurrieron los siete años del contrato de Olivia, la productora le indicó que tenía que trabajar seis meses más que se habían sumado a su contrato por los períodos de suspensión. Los cumplió, pero, cuando volvió para finiquitarlo, se encontró con que le sumaban nuevamente seis meses. Olivia había tenido bastante. Se plantó ante el todopoderoso Jack Warner y se atrevió a desafiarle.

 Olivia ganó el juicio y las sucesivas apelaciones .   A partir de entonces- 1946 –  los estudios comenzaron a transformarse poco a poco . La figura del agente se volvió más importante porque los actores preferían trabajar por su cuenta y elegir en la medida de lo posible los personajes .

   Ese camino abierto por ella lo seguirían después numerosas estrellas .

 

 

 

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Los personajes que  Olivia de Havilland  supo encarnar eran  jóvenes atractivas y muy tímidas, o damas maduras  de exquisita educación que  fueron capaces de desc   ubrir el amor y el sacrificio . Su talento permanece y brilla en todas y cada una de las películas, Con su muerte el Hollywood clásico se apaga casi definitivamente en el recuerdo  .

Nos quedan aun  Vera Miles ( agosto 1929 )Eve Maria Saint ( 4 julio 1924 )  ,   Arlene Dahl  ( 11 agosto 1925 )  y  la maravillosa Rhonda Fleming, la mayor de todas ( 10 agosto 1923 ) . Y un poco mas joven nada menos que Kim Novak ( febrero 1933 ) .Supervivientes de ese Hollywood dorado, de la fábrica de los sueños, del mejor cine del mundo .

Aparte de estrellas europeas como Sofia Loren, ( 1932 ), Gina Lollobrigida ( 1927 ) o Brigitte Bardot ( 1934 )

Las películas mientras se puedan exhibir , no mueren nunca .

 

 

 

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SANTIAGO SEGURA , CINE Y COMEDIA . . Fernando Alonso Barahona


 

 

Dentro de la “nueva normalidad”, como de normal será ir a un cine el siete de Agosto? Pues vamos a estrenar nuestra comedia “Padre no hay más que uno 2” para poder comprobarlo. Os esperamos

SANTIAGO SEGURA 


El cine español agonizó en las taquillas de 2019, hecho lamentable al que no es ajeno la politización y salidas de tono de algunos de sus representantes .

 Las dos que encabezan la lista de cintas españolas más taquilleras, ‘Padre no hay más que uno’ (14,2 millones), de Santiago Segura, y ‘Lo dejo cuando quiera‘ (11,3), de Carlos Theron . De las cintas ganadoras de los Goya, por ejemplo, sólo ‘Mientras dure la guerra‘ (11), de Alejandro Amenábar, y ‘Dolor y gloria’ (5,7), de Pedro Almodóvar, resistieron, y la primera más que por su calidad discutible fue por la formidable campaña publicitaria de la que fue objeto ,
Santiago Segura Silva (Madrid, 17 de julio de 1965) actor, guionista, director y productor de cine español, popular por su serie de Torrente sigue siendo una de las escasas figuras que casi garantizan el éxito de una película . Lo cual aunque despierte envidia en  no pocos dice bastante de su carisma, su amor por el cine, y su capacidad para conectar con la gente, es decir, con las personas  concretas que se ven identificadas, sonrien o disfrutan con su trabajo como actor o director . 

De Padre no hay más que uno ya tuve la oportunidad de ocuparme :
http://ramblalibre.com/2019/09/01/eranse-una-vez-tarantino-y-segura/


y escribía : Santiago Segura , uno de los más incisivos y brillantes cineastas españoles dirige y protagoniza Padre no hay más que uno . Y sin duda el es el alma de la película con su “ vis “ cómica y la ágil y efectiva puesta en escena que conecta con el espectador desde la primera escena . Por ello se ha convertido en la gran comedia del verano  Fue a la película más vista de 2019 con una recaudación de 14,2 millones de euros y 2,4 millones de espectadores


Ahora llega la segunda parte que promete arrasar aún más en las taquillas veraniegas .
Padre no hay más que uno 2. La llegada de la suegra‘. se estrenará el próximo 7 de agosto en toda España.
Se trata de la segunda parte de ‘Padre no hay más que uno’y está protagonizada por su director, Santiago Segura, Toni Acosta, Silvia Abril, Loles León, Leo Harlem, Martina D’antiochia, Calma Segura, Luna Fulgencio, Carlos G. Morollón y Sirena Segura.

En esta segunda parte el argumento deriva hilarante : Javier (Santiago Segura) se ha convertido en el líder de un chat de madres. Pero, cuando todo parece estar bajo control, la llegada de un nuevo bebé y la suegra (Loles León) pone la vida del protagonista patas arriba.
El rodaje se llevó a cabo en cinco semanas en Madrid, Guadalajara y Toledo, terminando el pasado 4 de marzo. Ahora se encuentra en una fase de montaje y con todo listo para su campaña de promoción .


Segura políticamente incorrecto
Al parecer apelar a la concordia ofende a algunos hoy en dia , sobre todo si no se está en la órbita de los gobiernos de turno   . En respuesta al “odio fraticida y mal rollo perpetuo” que Segura percibe estos días, el actor ha querido llamar a la “concordia”. El guionista, productor, actor y director ha pedido “entendimiento y armonía” tal y como ha manifestado a través de un mensaje en Twitter.
Antonio Maestre  , periodista parece ser , y una escritora llamada Cristina Fallaras ( mediocres ambos ) incendiaban las redes con la siguiente respuesta a Santiago Segura: “Tiene todos los tópicos del equidistante pero con intelectualidad de ameba. El poema de Gabriel Celaya lo podría haber escrito pensando en él”
Patético comentario  de Maestre que fue destrozado genialmente por Segura :

Entiendo que te consideres alguien importante (pero no tengo la menor idea de quién eres).


Genio y figura, Santiago logrará seguramente con su nueva película un nuevo éxito que no solo es comercial sino sociológico y que no sería tal de no ser por el talento, la brillantez y la gracia de su protagonista . Aunque algunos pedantes se obstinen en ignorarlo .

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LO QUE LE VIENTO SE LLEVO, OBRA MAESTRA DESAFIANDO LA CENSURA



LO QUE EL VIENTO SE LLEVO . OBRA MAESTRA
Fernando Alonso Barahona

Es difícil creer tanta estupidez pero en efecto :
La plataforma HBO Max ha decidido retirar de su catálogo de Estados Unidos el clásico del cine Lo que el viento se llevó. La división televisiva de WarnerMedia ha tomado la medida después de que el diario Los Angeles Times publicara una columna de opinión en la que John Ridley así lo pedía por considerar que la película, ganadora de ocho Oscars en 1940, “glorifica la esclavitud” durante la Guerra de Secesión, “ignora sus horrores y perpetúa los estereotipos más dolorosos para las personas de color”.

Complicado escribir tantas estupideces en tan pocas líneas . Un mediocre guionista ( participó en la soporífera Doce años de esclavitud ) se permite señalar a una obra de arte para censurar y avisar a los artistas de lo que deben o no deben hacer . Inaudito .
Veamos :
1- El arte no está sometido a la censura de los mediocres y mucho menos a interpretaciones absurdas y alejadas de la historia
2- Una minoría no puede imponer sus gustos o sus pesadillas a la mayoría . Es que vamos a suprimir la Semana Santa o la lectura del Quijote porque un grupo de individuos dige que le molesta ¿. Qué tipo de aberración es esta ¿
3- Por qué las molestias son siempre unidireccionales ¿. Hay obras anticristianas, ofensivas , antiespañolas , falsas, o racistas como las películas del mediocre Spike Lee . Esas nunca se protegen . Patetica coherencia .
4- La historia esta llena de avatares violentos, unos crueles, otros postivos . La Historia cruza Grecia y Roma, los bárbaros, el Sacro Imperio, los musulmanes y su expansión, el glorioso descubrimiento de 1492, los imperios de España y Gran Bretaña , multitud de guerras en casi todas las naciones , las masacres en las mismas , las dos terribles guerras mundiales  ….. Como puede un grupo de personas pretender que se revise lo acontecido – bueno o malo – de siglos atrás . Aparte de que ninguna cultura estaría libre de pecado .
5- Aún en el caso de injusticias históricas (España fue invadida por árabes, franceses ….) no tiene sentido alguno volver al pasado . Y desde luego nuestro contemporáneos no tienen nada que ver con lo que hiciesen sus remotos antepasados . La presunta culpa – de existir y por supuesto repartida – no se hereda .


Lógicamente este hecho de la censura a la películas más taquillera de la historia del cine es una anécdota . Hay millones de DVD , la película es realmente popular y una censura produce el efecto contrario , es decir, mayor difusión .
Si encima la plataforma HBO – que demuestra su desprecio a la cultura y su escasa entidad artística – pone unas frases avisando de que la película es gravemente peligrosa, las carcajadas pueden cruzar los océanos ,
Lo preocupante es que este suceso se enmarca en una línea de ataque a la cultura occidental y a nuestro modo de vida : las algaradas, desmanes y asaltos violentos en Estados Unidos, el derribo o el ataque a estatuas de personalidades  como Colon o Churchill , forman parte de este plan diabólico al que no es ajeno el multimillonario Soros .

 


La aplicación de los ridículos criterios de HBO podría censurar el noventa por cien del mejor arte de Occidente . De Platon a Schopenhauer pasando por Dickens o Kipling . Caravaggio, Cervantes, Baudelaire, Celine , Tolkien , Oscar Wilde, Pound o Heidegger . …..Y Ford, De Mille, John Wayne ,  Charlton Heston , Hawks , Vidor, el western , el cine de terror, el cine anticomunista , o cualquier obra de arte – de izquierdas o derechas – salvo , eso sí, que ataque al cristianismo. Eso es lo único permitido junto con los ataques a Trump, a Putin , a la incorrección política o a la mejor historia de España .
Un mediocre guionista , un juntaletras español ( Ignacio Guardans ) que ha hecho el ridículo defendiendo la censura y aceptando que un grupo minoritario imponga su postura sobre la mayoría , no son más que gotas en un mar. En unos días ya nadie se acordara de ello mientras Lo que el viento se llevó habrá aumentado su popularidad .
Se da la circunstancia hilarante de que este Guardans también apoyaba la censura a las maravillosas películas de Tarzán ( inolvidables obras maestras de la MGM como Tarzán y su compañera ) . No se tiene noticia de que haya protestado por las ofensas frecuentes que se perpetran en la TV3.


La película producida por David O Selznick en 1939, dirigida por Victor Fleming y con un reparto mítico, adaptaba una novela de Margaret Mitchell . Obtuvo diez Oscars y es junto a Los Diez Mandamientos y Ben Hur la película de mayor éxito de todo el cine clásico . Y aun de toda la Historia del cine .

https://www.youtube.com/watch?v=eRIgM7maLS4


Obra maestra maravillosa , una película perfecta escribió Guillermo Balmori, con escenas que ya forman parte de nuestra educación sentimental .
Clark Gable, Vivien Leigh , Olivia de Havilland, Leslie Howard, la música de Max Steiner , la escenografía de W. Cameron Menzies …….



Lo mejor es revisar y difundir una vez más esta película que no defraudará nunca .
Y para los censores de pacotilla , sean españoles o americanos, hembristas  o racistas , progres de diverso pelaje y apóstoles de la corrección política ,  la mejor contestación es la frase final de Rhett Butler (Gable )
“francamente, me importa un bledo “ .
Y mejor sin HBO .










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LA CULTURA DE UNA AUTENTICA MEMORIA DE LA HISTORIA. Fernando Alonso Barahona




LA CULTURA DE LA MEMORIA HISTORICA
Fernando Alonso Barahona 

Casi todo el mundo considera necesario decir que España, durante cerca de medio siglo -o más- ha sido un desierto, y se ha acuñado la expresión “páramo cultural”.
escribí un largo artículo titulado “La vegetación del páramo” (recogido luego en mi libro “La devolución de España”, 1977). En él consideraba la actividad cultural en España entre 1941, fecha en que se reanudó tras la guerra Civil, y 1955, en que murió Ortega. Era un recuento fragmentario, sin rebuscas ni propósito exhaustivo, de lo que se había hecho, en medio de grandes dificultades, en esos quince años. Resultaba una larguísima lista, impresionante, de “libros libres”, fruto de vocaciones admirables; se veía la continuidad, no interrumpida, de los autores existentes antes del feroz corte de la guerra, y la aparición de promociones nuevas, de sorprendente fecundidad, y en la mayoría de los casos, capaces de innovación e independencia. La vegetación del páramo, concluía yo, es bastante frondosa.
JULIAN MARIAS



La fiebre de la llamada “ memoria histórica “ capaz de producir efectos esperpénticos y casi siempre de forma revanchista olvidando todo lo vivido por la inmensa mayoría de los españoles en la época de la transición , suele repetir sin el menor fundamento el supuesto erial de la cultura española durante los años cuarenta e inicios de la década de los cincuenta.
Ya Julian María en un célebre artículo : La vegetación del páramo , dejó al descubierto las numerosas mentiras de la corrección política oficial empeñada en reescribir la historia y crear una nueva memoria .

http://larealidadensuconexion.blogspot.com.es/2013/05/la-vegetacion-del-paramo.html


Ante las nuevas iniciativas demoledoras de la historia que se perpetran en algunos ayuntamientos – como el de la capital de España sin ir más lejos – no está de más recordar algunas pinceladas culturales de aquellos años de hierro , difíciles por tantos conceptos, pero que en ningún momento fueron el vacío sin fondo que algunos pretenden pintar en la actualidad .



La vegetación de lo que algunos llamaron –sin fundamento– “páramo desértico” de la cultura española de los años cuarenta llegaría a ser muy florida. En 1940 nace la revista literaria Escorial, entre cuyos colaboradores encontramos a Dionisio Ridruejo, Pedro Laín Entralgo, Alfaro y Antonio Tovar. El Español se crea en 1942 como semanario político, y posteriormente circulan La Estafeta Literaria (1944), Arbor (1944) e Ínsula (1946). Se publican libros de la importancia de Razón del mundo (1944), de Francisco de Ayala; Naturaleza, Historia, Dios (1942), de Javier Zubiri, y la célebre Historia de la Filosofía (1941), de Julián Marías. Eugenio D’Ors escribe a pleno rendimiento y Ortega y Gasset regresa a España en 1945 para emprender una rica actividad que dará como resultado su capital Idea de principio en Leibniz, así como la creación –junto con Julián Marías– del Instituto de Humanidades en 1947.



La novela conserva a Baroja, Ricardo León, Concha Espina y Azorín, en tanto que surgen Camilo José Cela (que revoluciona el panorama literario con La familia de Pascual Duarte), Rafael García Serrano, Sánchez Mazas, Ignacio Agustí, el primer Delibes, Carmen Laforet, Gironella, Zunzunegui o Torrente Ballester, sin olvidar a Agustín de Foxá y a Josep Pla.
La lista de personalidades que realizan importantes aportaciones culturales es sobresaliente: Marañón, López Ibor, Rof Carballo (medicina); Lapesa, Díaz Plaja, Casares (lengua); Lafuente Ferrari, Camón Aznar, Chueca Goitia (historia del arte); Gili Gaya, Alonso Vicente (historia); Caro Baroja (etnografía); la figura suprema de Ramón Menéndez Pidal (investigación histórica y literaria); Díez del Corral, Jiménez Caballero (ensayo); Dámaso Alonso, Aleixandre, Hierro, Manuel Machado, Gerardo Diego, Leopoldo Panero, Luis Rosales (poesía); Pemán, Benavente, López Rubio, Jardiel Poncela, Miguel Mihura, Buero Vallejo (teatro); el genial Dalí, Pancho Cossío, Solana, Vázquez Díaz, Benjamín Palencia (pintura).
Estos son los contemporáneos de cineastas como Rafael Gil, José Luis Saenz de Heredia, Edgar Neville, Juan de Orduña, Antonio Román, Luis Marquina, José Antonio Nieves Conde o Carlos Serrano de Osma. Se incorpora el exiliado húngaro Ladislao Vajda, que hará su mejor obra en España. Esta generación de brillante directores extenderá su carrera – salvo excepciones – hasta bien avanzada la década de los sesenta del sigloXX.



En Hollywood se vive el esfuerzo de la guerra y casi todos los grandes nombres están en el candelero: de Ford a Vidor , De Mille. Frtiz Lang y Hitchcock, pasando por Hawks, Walsh, Wyler, Borzage, Chaplin, Capra, Huston, King, Hathaway , Van Dyke , Stevens , Le Roy , Mann o Leo McCarey.

El cine español continúa siendo raquítico pero inicia una tímida consolidación. El 17 de diciembre de 1942 se crea el NO-DO, documental informativo, y en 1947 se funda el IIEC (Instituto de Investigaciones y Estudios Cinematográficos). Las productoras van aumentando su difusión. La mayor es Cifesa, con la que pronto compiten Suevia Films-Cesáreo González o Hércules Films, y se montan estudios de cine de primer orden como Chamartín o Sevilla Films.
Las revistas de cine también proliferan: Cámara, Fotogramas (nacida en 1946, aún hoy se mantiene), Revista Internacional del Cine (1951), de la mano de Pascual Cebollada, y, sobre todo, Primer Plano, dirigida por Augusto García Viñolas, que ve la luz el 20 de octubre de 1940 y que se publicará durante un cuarto de siglo. Por las páginas de Primer Plano pasarían nombres del prestigio de Eugenio D’Ors, Pío Baroja, Sopeña, Sánchez Mazas, Giménez Caballero, Manuel Aznar, Halcón, Wenceslao Fernández Flórez y Manuel Machado.


En este panorama cultural se desarrollan la infancia y la adolescencia de José Luis Garci, que recuerda – por cierto – con cariño y nostalgia en el prólogo de su libro Morir de cine con unas palabras dedicadas a sus padres: “Gracias a los dos por regalarme una infancia tan maravillosa. Por dejarme oír la radio a todas horas, por comprarme cada semana, durante años, un librito de la Enciclopedia Pulga –‘el saber no ocupa lugar’– (…), por los miles de tebeos, sobres de cromos y cartuchos de pipas y, claro, por haberme llevado a todos los programas dobles de los cines del barrio”.


Frente al sectarismo de cierta memoria histórica ha de quedarnos el recuerdo – de las gentes que lo vivieron – y la auténtica historia independiente . Merece la pena .

 

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DESCRIPCION DE LA ANGUSTIA Fernando Alonso Barahona




DESCRIPCION DE LA ANGUSTIA
Fernando Alonso Barahona

Crece en el interior y rapta tus deseos
íntimos y ocultos .
El corazón es su presa y la mente
vacía de luz se rinde ante su fuerza devastadora .
La angustia ciega tus ojos ,
aprieta tus manos y atenaza
tu respiración .

Ya lo he adivinado . No puedes describir
la angustia .
Esa inexacta sensación, estólida y putrefacta pertenece
a los territorios inexplorados
de la imaginación .
Pero es real y regresa y te vence
hasta apoderarse de tu corazón .

Corazón sin latidos,
pecho desnudo
sin deseo ,
descanso sin esperanza .

Por qué no te atreves a describir tu angustia ¿
Temes acaso que se convierta – rapto perverso –
en mi propia sensación ¿

 

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PELICULAS INOLVIDABLES PARA SEMANA SANTA Fernando Alonso Barahona


PELICULAS PARA SEMANA SANTA

Fernando Alonso Barahona

 

 

Muchas películas inolvidables pueden revisarse en esta Semana Santa de confinamiento pero que debe mantener la enseña de la fe como esperanza en el futuro . Fe en la Resurrección del Hijo de Dios  que es el núcleo fundamental de estos días sagrados ,

Existen versiones interesantes de la vida de Cristo como Rey de Reyes 1961 de Nicholas Ray ,  una producción de Samuel Bronston rodada en España , El evangelio según San Mateo 1964 de Pier Paolo Pasolini,  película original en su acercamiento puro y simple a la figura de Jesús La historia más grande jamás contada , 1965 de George Stevens  con su estilo épico lleno de imágenes brillantes y de grandes actores en el reparto .

Podemos descubrir acercamientos al misterio con obras  tan originales y diferentes  como Proceso a Jesús 1972 de José Luis Saenz de Heredia  ( según la obra de teatro de Diego Fabbri )  : un grupo de sefardíes encabezado por Andrés Mejuto ,  Jose Maria Rodero ,  Monica Randall y un inolvidable reparto de grandes actores españoles de aquel momento , representan en Toledo el juicio de Cristo para tratar de dictaminar su consistencia jurídica .  También con el escenario de la representación –en este caso la Pasion viviente – destaca El Judas 1952 de Ignacio Iquino, con una gran Antonio Vilar .

Y  no olvidamos  espectáculos épicos como Quo Vadis ¿ 1951 de Mervin le Roy o musicales tan famosos como Jesucristo Superstar (Norman Jewison 1973 ) . Muchas películas, muchas posibilidades para una Semana Santa donde la fe en la Resurreccion de Cristo es la base y la esperanza .

El Misterio de la muerte se ha tornado Vida. Ahí reside el núcleo de la fe cristiana.

 

REY DE REYES , 1927  CECIL B DE MILLE

Rey de Reyes, cinematográficamente, es una de las grandes obras maestras del insigne autor de Los Diez Mandamientos. Cabe destacar en la película:

 

–         Su fidelidad al Evangelio. Todos los subtítulos responden a citas evangélicas.

–         Extraordinario calor pictórico de las imágenes que a veces parecen cuadros vivientes gracias a la excepcional escenografía de Mitchell Leisen.

–         Las primeras secuencias (la presentación de María Magdalena) sirven de único contrapunto profano al contenido religioso de la película.

La primera aparición de Jesús (magníficamente interpretado por un solemne H.B.Warner), a través de los ojos de un ciego al que acaba de sanar, es uno de los planos más hermosos de toda la historia del cine mudo, a la vez que la manera más original posible de introducir a Jesucristo en el drama de la obra.

Rey de Reyes concluye con una secuencia en color que muestra a Cristo resucitado ascendiendo a los cielos y proclamando su permanente presencia en el corazón del los hombres de buena voluntad.

 

LOS DIEZ MANDAMIENTOS . 1956 de CECIL B DE MILLE

Los Diez Mandamientos habría de convertirse en su obra cumbre y en una de las películas icónicas de la Historia del Cine. En Semana Santa, junto a Ben Hur de William Wyler o cualquiera de las películas sobre Cristo, revisar o descubrir la obra de De Mille es una experiencia cinematográfica de primer orden. Aunque puede reconocerse que la película –literalmente– no ha dejado nunca de proyectarse en algún lugar o emitirse en las TV de todo el mundo durante los últimos 60 años. El investigador Henry Noerdlinger había estado investigando durante años, consultó millares de libros y revistas y fotografías, el resultado fue un libro científico editado por la Universidad de California del Sue: Moisés y Egipto.

El primer milagro de Los Diez Mandamientos es su capacidad para unir rigor y aventura, religión y drama, pasión e historia. Todos y cada uno de los elementos de la película están reconstruidos según la documentación histórica más rigurosa, incluso las Tablas de la Ley y los grabados que en ella aparecen (las tablas con los mandamientos fueron construidas con auténtica piedra del Sinaí, con las medidas indicadas en el Midrash Raba y con los caracteres de las letras en cananeo arcaico). Pocas personas iban a ser conscientes de este esfuerzo, pero el espíritu de De Mille al hacer la película era el mismo que animaba a los autores de las grandes catedrales: emplear el arte para dar testimonio de la grandeza de su fe. Meses de rodaje, un reparto fabuloso encabezado por Charlton Heston (cuyo parecido con la célebre estatua de Moisés creada  por Miguel Angel, le proporcionó el papel, una de las cumbres interpretativas de su brillante carrera), un infarto sufrido por De Mille en la primavera de 1955… El rodaje concluyó el 13 de agosto de 1955 pero el montaje final no estuvo listo hasta febrero de 1956. Todo ello pude contarlo con detalle en mis libros sobre De Mille (Cecil B. de Mille. Cileh, 1991) y Heston (Charlton Heston, la épica de un héroe. Eiunsa. 1999).

BEN HUR . 1959 de WILLIAM WYLER

 

Muchas historias y anécdotas se han contado de esta historia de los tiempos de Cristo, de la carrera de cuadrigas –la escena de acción más impactante del Séptimo Arte– y de su gigantesco éxito comercial. Wyler, además, fue capaz de integrar el drama humano en la epopeya, logrando una historia conmovedora, con secuencias inolvidables como el instante en el que Cristo ofrece agua a Judah, Ben-Hur ante la mirada de odio de los soldados romanos, o la impresionante escena del interior de las galeras, todo un ejemplo de dinamismo y planificación cinematográfica. Y por supuesto la inolvidable y fabulosa carrera de cuadrigas.

Entre las curiosidades de la película cabe resaltar que el judío Judá hiciese tan buena amistad con el jeque árabe que le aporta los caballos. Una amistad árabe-israelí que en la vida real era difícil entonces más que ahora: la película se prohibió en varios países árabes. Otro detalle es la presencia de la bellísima Haya Harareet en papel de Esther, la amada de Ben-Hur. Actriz israelí de corta carrera en el cine llegaría a ser oficial del ejercito de su país. Pero una que merece la pena recordar y desmitificar:  Homosexualidad: una leyenda urbana

 

La grandeza del cine clásico permite que cada espectador viva su propia película y construya su propia interpretación de ella. Pero la leyenda urbana y la realidad histórica sobre la relación de Mesala y Ben-Hur y la participación de Gore Vidal es la siguiente.

Una escena clave era la del reencuentro de los dos viejos amigos tras años de lejanía. Un encuentro, una amistad, que pronto se convertiría en odio mortal. Wyler repasaba la escena sin que le convenciera el guión original. Se llamó entonces al novelista Gore Vidal, un tanto provocador. Fue Vidal el que propuso un cambio insólito. La raíz de la relación entre los dos amigos se remontaría a su juventud: Mesala se habría sentido entonces atraído por Judah en una pulsión homosexual, y habría sido el rechazo del pretendido amante el que propició la cadena de odio.

A Wyler no le gustó la solución y Gore Vidal fue despedido a los tres o cuatro días de trabajo. Se recurrió entonces al poeta y escritor inglés Christopher Fry, que fue el autor final de la reescritura de esta escena y de muchas otras en el guión original, aunque los créditos solo reconocieron al primitivo Karl Tunberg.

Gore Vidal contaría después que medio guión de Ben-Hur era suyo, y que la escena en cuestión se había rodado tal y como el la escribió. Nada de ello es cierto. Charlton Heston anotó un diario exhaustivo de aquel rodaje y registra de manera exacta el día en el que Vidal apareció, la negativa de Wyler y el posterior despido. El propio director corroboraría años después las anotaciones de Heston.

JESUS DE NAZARET . 1973  de FRANCO ZEFFIRELLI

Franco Zeffirelli, hombre creyente , volcó lo mejor de sí mismo en esta película emblemática, Jesús de Nazaret (1973), tal vez la más ortodoxa de cuantas versiones sobre la vida del Hijo de Dios se han realizado.

Planteada como una superproducción televisiva de casi cinco horas de duración (pero después estrenada en salas de cine), Zeffirelli acierta con la elección del protagonista, Robert Powell en el papel de su vida, y aún alejándose de la estética típica de Hollywood, logra un estilo personal, cálido, en el que se percibe el amor con que se rueda cada una de las escenas (destaca la Resurrección, un momento transido de esperanza y muy bien reflejado en la

pantalla). Como en La historia más grande jamás contada, el reparto vuelve a ser de lujo, y podemos encontrar a James Mason, Ernest Borgnine, Fernando Rey, Anthony Quinn, Peter Ustinov, Olivia Hussey (espléndida María) o al gran Laurence Olivier. El tono pausado de la puesta en escena se compensa con un hábil montaje, una magnífica fotografía y una banda sonora penetrante y emotiva

Las escenas del Templo cuando el Sanedrín se reunión, encabezado por Caifas, para juzgar a Cristo, son impresionantes, también la crucifixión. Toda la película transcurre de un modo pausado, espiritual que logra enroscarse en el corazón  del espectador. Zeffirelli –que declaró inspirarse en el Gólgota de Julien Duvivier– se fija en el Cristo humano, pero sus imágenes son estéticas, a veces muy elaboradas, otras realistas (la descripción de la dura vida de los judíos de la época). Y es que el modelo de Zeffirelli no es Pasolini ni siquiera Rossellini, sino el mucho más colorista y barroco Luchino Visconti.

 

LA PASION DE CRISTO  2004 de MEL GIBSON

 

Mel Gibson arriesgó en 2004 todo su talento y su fortuna en la producción y dirección de esta película que se acerca sin ambages ni temor humano al misterio central del cristianismo: La pasión, muerte y resurrección de Cristo, el Hijo del Hombre.

Gibson, de firmes creencias católicas al igual que Jim Caviezel narra las  últimas doce horas de la vida de Jesús. Y otorga, con la ayuda de su director de fotografía Caleb Deschanel, un tono  duro y sufriente a la imagen, sin eludir los aspectos más realistas y sangrientos de la tortura que sufrió Cristo.

Si estéticamente la película es extraordinaria, aún en su dureza –y con influencias visuales de Caravaggio y El Greco- desde el punto de vista fílmico es una obra maestra que se clava como una daga punzante en el corazón del espectador, creyente o no.

Cine en estado puro , cine como arte, reflexión y espectáculo para la Semana Santa .

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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CINE Y PANDEMIAS . Fernando Alonso Barahona






Pandemia, miedo , confinamiento, irresponsabilidad, sacrificio . Muchas sensaciones y adjetivos se agolpan en este tiempo de cuarentena , muy pocos días después de que el Gobierno de España alentara en todas partes manifestaciones para conmemorar un 8M que en boca de varios de sus ministros se ha convertido en un símbolo de desvergüenza y agresividad .
Decretado el Estado de Alarma – tal vez debio hacerse antes – un señor que ejerce como vicepresidente del gobierno, pese a sus escasos votos , se saltó la cuarentena ( a la que está obligado ya que aunque parezca mentira su consorte es también ministro , responsable del 8M y enferma de coronavirus ) y trató de poner las bases para un cambio de régimen . No pudo en el primer embate pero sigue insistiendo saltándose la cuarentena cuantas veces le viene en gana con la excusa de lo que llama la construcción de un “ escudo social “ . Cualquier término social suena sarcástico – por no decir aberrante – en un admirador de Lenin, Chaves o Maduro . Pero no es este asunto el objeto del presente artículo .
El cine ha tratado desde luego el universo angustioso de las epidemias, bien desde un tono realista o bien con la imaginería zombi ( los muertos vivientes ). La edad Media y sus epidemias ( El séptimo sello de Ingmar Bergman ), las plagas y enfermedades que recorren el universo iconográfico de numerosas películas inolvidables . Recordamos la epidemia que va diezmando la belleza de los escenarios en la magistral Muerte en Venecia ( 1971 de Luchino Visconti ) . Unas imágenes de decadencia y angustia que prefiguran las de Venecia en este invierno y primavera de 2020 asolado por el corona virus .
El clásico del cine sobre zombies es La noche de los muertos vivientes 1968 de George A. Romero ( junto a la espléndida Yo anduve con un zombie , 1943 de Jacques Tourneur ) es la mejor de su saga y la que muestra en toda su crudeza la amenaza terrible del muerto viviente , Una película española : No profanar el sueño de los muertos 1973 no le anduvo a la zaga por cierto , En la era de los videojuegos ha llegado la avalancha (Resident Evil en primer término ).
En Pánico en las calles , film noir del notable Elia Kazan estrenado en 1950, Richard Widmark interpreta a un oficial de sanidad que tiene 48 horas para identificar el origen de un brote de peste bubónica en Nueva Orleans, antes de que se desate una histeria masiva. Se descubre que el paciente cero es un inmigrante ilegal que ingresó a los Estados Unidos en un barco mercante El extranjero es aquí no sólo el origen de la plaga sino también una amenaza para la seguridad nacional, ideas típicas de la Guerra fría pero que vuelven a aletear De hecho el cierre rápido de fronteras es uno de los elementos clave para detener una epidemia en su inicio . Con el corona virus Rusia, Hungría, Polonia, Israel y al poco Estados Unidos lo hicieron . En España la medida quedó inédita pese a saber que el origen estuvo en China . Renunciamos en este artículo a examinar a fondo el origen de la expansión y los misterios en torno a ese murciélago responsable . Así como a la actividad inicial de la propia China que habrá de ser examinada en otro ámbito .
El director y escritor argentino Nicolas Goldbart es el autor de Fase 7, una película que cuenta un aislamiento de una pareja en su departamento para sobrevivir a un virus mortal. La película fue filmada en. Los protagonistas son Daniel Hendler, Jazmín Stuart, Yayo Guridi y Federico Lupp . Inquietante y poco conocida con escenas de auténtica angustia .
El último hombre… vivo 1971 un clásico dirigido por Boris Sagal con Charlton Heston, Anthony Zerbe, Rosalind Cash, Paul Koslo, Se basa en la novela de Richard Matheson y tuvo una versión anterior con Vincent Price y una contemporánea (Soy leyenda ) con Will Smith . La mejor sin duda es la de 1971con una impresionante interpretación de Charlton Heston ( tres años después de la magistral El planeta de los simios , de Franklin J.Schaffner ).
En la abandonada ciudad de Los Ángeles se encuentra Robert Neville (Heston ) La solitaria existencia de Neville viene amenazada con la caída del sol, cuando la Familia, una secta de criaturas monstruosas, toma, de forma violenta, la ciudad. Reunidos todos ellos en torno a la figura del líder, Matthias (Anthony Zerbe), este manipulador decide abandonar su propio refugio para salir a destruir cualquier legado de la era tecnológica, cuya existencia es concebida como la responsable de la destrucción de la civilización, y de la cual, Neville, es una clara representación. Todo cambia cuando descubre que, realmente, no está solo. El encuentro con una mujer (Rosalind Cash ) y un grupo de jóvenes será la esperanza del mundo , Neville tiene en su sangre la vacuna que solo el pudo probar y le ha hecho inmune , Con un simbolismo cristiano evidente, el protagonista (el omega man del titulo ) entregara su sangre y si vida para salvar a la Humanidad ,

Efecto ‘Contagio’
Muchas películas en los últimos años ( y series de TV como The walking dead ) han tratado la amenaza de una pandemia en sus diversas variantes. Recordemos algunas de ellas .
En El puente de Cassandra, de George Pan Cosmatos 1976, la historia narra los intentos de supervivencia de los pasajeros que se encuentran atrapados en un tren afectado por un virus mortal. Richard Harris y Sofia Loren encabezaron el reparto de esta trepidante película de acción en la que encontramos también a Burt Lancaster , Ava Gardner y Alida Valli .
En 1997 era Guillermo Del Toro el que estrenaba Mimic. La trama nos muestra un futuro no muy lejano en que Nueva York es atacada por un brote epidémico, provocado por las cucarachas, que amenaza con la muerte a todos los niños. Terrible angustia fílmica .
Sin duda, el actual efecto de transmisión de una enfermedad infecciosa como el coronavirus está muy presente en Contagio 2011, interesante y oscura obra de Steven Soderbergh .
La historia cuenta como un virus mortal comienza a propagarse por todo el mundo. En pocos días, la enfermedad empieza a diezmar a la población. El contagio se produce por mero contacto entre los seres humanos. Un thriller realista y sobrecogedor sobre los efectos de una pandemia.


Virus (2013) es una película coreana de asombrosa actualidad : un virus aéreo y letal infecta a la población de una ciudad de Corea del Sur. a menos de 20 kilómetros de Seúl. El principio de la historia impresiona por su verosimilitud. Una película en el que el miedo y la paranoia contagian tanto como la propia enfermedad.



Estallido de Wolfgang Petersen ( 2015 ) describe un virus originario de África que se extiende por Estados Unidos. La película denuncia el llamado ‘Outbreak monkey’, un irresponsable que, aún sabiendo que está enfermo, acude a su centro de trabajo amenazando con infectar a los que le rodean.
Tambien de 2015 es Doce monos, donde Terry Gilliam dirigía a Bruce Willis y Brad Pitt. Epidemia y ciencia ficción a partes iguales . Imposible no recordar, en «Doce monos», la imagen de los animales del zoológico sueltos por la ciudad, paseándose entre coches vacíos y edificios grises como panteones monumentales.

Epidemia y política
No es objeto de este artículo la descripción de las diversas teorías conspiratorias que sobrevuelan en torno a las pandemias . Pero sin duda un fondo de duda y sospecha se cierne sobre algunas actividades misteriosas . Y máxime si proceden de una dictadura casi absolutamente opaca .
Guerra mundial Z (Marc Forster, 2013), 28 días después (Danny Boyle, 2002), Soy leyenda (Francis Lawrence, 2007, coinciden en describir como al brote de la plaga sigue la desintegración social y la desaparición de las instituciones democráticas. En su lugar, se puede llegar a imponer un régimen autoritario en el intento de restablecer el orden . Lo peor es cuando ese régimen se contamina de comunismo . Amenaza de la que España no está completamente libre aún .
A medida que avanza la epidemia, el dominio de la cultura humana es reemplazado por el imperio de la biología . Se puede imponer entonces la ley del más fuerte, o del poder que domina , dejando la moral en segundo término con el predominio de la “ razón de Estado “ o de Salud . ¿ Tal vez porque nuestros sistemas no sirven para enfrentarse a las grandes crisis ¿ .
Un vínculo entre epidemia y autoritarismo aparece asimismo en La peste , película de Luis Puenzo estrenada en 1992 e inspirada en la novela homónima de Albert Camus, de nuevo en moda por el corona virus , que ha regresado a las listas de best sellers gracias al coronavirus.
El primer efecto de la pandemia es el daño físico y la muerte en los casos más graves , pero el segundo efecto es retardado y también devastador : la crisis económica y tal vez la alteración de los modelos de vida o de gobierno . Aún está por aclarar las circunstancias por las que el coronavirus- originado en la ciudad china de Wuhan – ha nacido y se ha extendido . El modelo chino no puede exportarse- en circunstancia alguna – a la cultura occidental .
La esperanza


Hemos visto muchas calles y plazas desiertas por el confinamiento decretado por el estado de alarma, En una película insólita del cine español ‘La hora incógnita’ (1963), Mariano Ozores en su única incursión dramática imagina la evacuación de un pueblo madrileño a causa de la previsible caída de un misil después de un fallo de cálculo por parte de los americanos. En las últimas horas antes de que impacte el cohete, un grupo de vecinos recorren las calles para hacer todo aquello que nunca pudieron cuando la ciudad estaba habitada: robar, tener una aventura, deambular …


Y sin embargo no podemos abandonar la esperanza. En “La guerra de los mundos “ (Byron Haskin 1953 ) los virus salvaban a la Humanidad de la invasión alienígena . Esta espléndida película ( superior al remake contemporáneo que filmara Steven Spielberg ) se basa en el clásico relato de H.G.Wells que aterrorizó a Estados Unidos cuando Orson Welles lo convirtió en programa de radio .
Ahora son nuestros enemigos, pero – sin duda- serán derrotados . Es tiempo – una vez más – de fe en la visión trascendente de la vida y desde luego de fortaleza y esperanza .

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PREMIOS CINEMASMUSIC. LA PASION POR EL CINE . Fernando Alonso Barahona










Cinemasmusic una revista podcast de cine y música es un sueño hecho realidad por su creador, Juan Ramón López . A través de numerosos podcast he tenido oportunidad de colaborar en el análisis y recuerdo de obras maestras del cine como El Cid, El Alamo, Ben Hur, Espartaco . Tiburon, Vertigo, Centauros del desierto , El silencio de los corderos .. Una labor de Cinemamusic hecha con amor al cine , con el dibujo de obras de arte que forman parte de nuestra educación sentimental, de nuestra cultura .
https://www.ivoox.com/podcast-cinemasmusic_sq_f1393986_1.html

La primera edición de los Premios Cinemasmusic en 2019 sirvió para reconocer la trayectoria de Diego Navarro (Compositor y director de orquesta del Festival de Música de Cine de Tenerife, FIMUCITE), Arturo Boscovich (Compositor y director de orquesta malagueño, director musical del Teatro Soho y del musical A Chorus Line), Gerardo Sánchez, director del programa Días de Cine de RTVE, Ali Trujillo, podcaster de El Acomodador. Y el honor personal de formar parte de esa primera lista de premiados con su original batuta como recuerdo y presencia .
Ahora en un 10 de marzo de 2020 y en el teatro Circo de Albacete ha tenido lugar la entrega de la segunda edición de los Premios .
Juan Ramón López ha sido el brillante organizador y para ello ha contado con un importante grupo de
PATROCINADORES
Los premios Cinemasmusic 2020 están patrocinados por Popular Libros, Fundación Globalcaja y BMW Albamoción. con la colaboración del Ayuntamiento de Albacete, Cultural Albacete, Diputación de Albacete, Filmoteca de Albacete, Kamisity, Papelería Sanz, Revista BARCAROLA, Videoclub CINETECAS y Artes gráficas IBARRA.

Los galardonados en los II Premios Cinemasmusic han participado el martes 10 de marzo 2020 en una conferencia de prensa en la librería Popular, antes de un recorrido turístico-cultural por Albacete.





Los premiados de esta edición son el gran músico y compositor turolense Antón García Abril (El hombre y la tierra, Fortunata y Jacinta, Curro Jiménez, Los santos inocentes), el director madrileño Fernando Colomo (Tigres de papel, La línea del cielo, Bajarse al moro, Los años bárbaros, Antes de la quema , Isla bonita ), el crítico de cine Carlos Pumares (Polvo de Estrellas), la profesora escritora y guionista Lucía Tello Díaz (Con C de Coixet, La enseñanza de la ética periodística a través del cine), el editor, escritor e investigador cinematográfico Guillermo Balmori de Notorious Ediciones (Colecciones “El Universo de…” grandes directores y estrellas del cine), el escritor y crítico César Bardés (La imagen en el alma, El ojo privado, Compás de ceniza). Durante el acto se ofreció un recuerdo al realizador albacetense recientemente fallecido José Luis Cuerda (Amanece que no es poco, El bosque animado, La lengua de las mariposas) y se otorgó un Premio Especial para el veterano director cántabro Mario Camus (Los santos inocentes, La casa de Bernarda Alba, La colmena).

https://www.masquealba.com/noticias/albacete/item/40817-cinemasmusic-entrega-sus-premios-con-un-recuerdo-a-cuerda.html

Una tarde inolvidable de cine en Albacete que se inició con la rueda de prensa en la Librería Popular de Albacete ( donde tuve el honor de presentar el 29 de octubre de 2019 mi ultima novela FIGURAS EN UN ESPEJO https://www.popularlibros.com/libro/figuras-en-un-espejo_943479 )



Guillermo Balmori hizo profesión de amor al cine clásico ( 1920-1965 ) que en Hollywood fue capaz de crear una edad de oro seguramente irrepetible .
Fernando Colomo ese cineasta que transmite su pasión por el cine en su mirada habló de sus proyectos y de sus obras , Carlos Pumares encantó al espectador con su originalidad y vehemencia que hizo mítico su programa Polvo de Estrellas .



César Bardés desgranó su cinefilia que ha dibujado asimismo en sus libros que rezuman películas y corazón .
Tras la comida y tertulia en Los Caldereros ( restaurante de Albacete ) el Teatro Circo acogió la velada que tuvo como presentadores de lujo a Juan Ramón López – el alma creadora de Cinemasmusic – y la brillante locutora y actriz Llanos Salas .


Lucia Tello Diaz , escritora profunda y enamorada del cine fue la primera en recoger su galardón ( que le entregó la joven Alma Lopez, colaboradora del Podcast ). El público llenaba las butacas del Teatro Circo .

 

Entre ellos Alicia Vega de Madrid o el director de la Filmoteca de Albacete , Jesus Antonio López , que se refirió con cariño al homenajeado Jose Luis Cuerda en uno de los momentos más emotivos de la noche . Como lo fueron los videos de Mario Camus ( el autor de Cuando tu no estas, Al ponerse el sol , Los pájaros de Baden Baden , La colmena, Los santos inocentes ….) el maestro Anton García Abril o los homenajes a Kirk Douglas , John Williams o esa escena final – lágrimas en la lluvia con música de Vangelis – en Blade Runner .


   El cine es historia y palabra, vida e imagen , música y emoción . Una gala de cine está por tanto llena de momentos que quedan en el recuerdo porque las película también están hechas de momentos . Lucía Tello y su mirada elegante al Séptimo Arte ,   cine y reflexión , César Bardes describiendo claves de películas que se confunden con la vida, Guillermo Balmori recordando a los programadores de cine de la primera cadena de TV en los años ochenta y primeros noventa que hicieron pasión del cine más auténtico que es el clásico , Pumares y sus momentos en Polvo de Estrellas, su conocimiento personal de las estrellas de cine, la sombra genial de Berlanga, Colomo narrando los avatares del rodaje de una película , la necesidad de entregar lo mejor de la propia creación en esa tarea de director que comparó con el de orquesta que maneja una batuta, la misma que simbólicamente es el premio de Cinemasmusic .
Y hubo música en directo con el joven pianista Pedro López Salas , promesa ( con solo 22 años ) ya convertida en realidad , que deleitó a los asistentes con la magia de sus manos, de la música convertida en cine . Todo un espectáculo .


Fue un placer y un honor colaborar en la gala entregando el premio a Carlos Pumares . Antes de hacerlo pude recordar que el cine está hecho con la materia con la que se dibujan los sueños .



CINE Y MUSICA


Una buena composición musical ha de integrarse en el desarrollo global de la película, servirla y no perturbarla , convirtiéndose así en un elemento más , al igual que la fotografía y la interpretación , en la labor creadora del director . Hombres y artistas como Miklos Rozsa (Ben Hur, El Cid, Rey de Reyes ), Dimitri Tiomkin (El Alamo, Duelo al sol, Duelo de titanes , Solo ante el peligro, Rio Bravo ) , Victor Young (Sansón y Dalila, El hombre tranquilo ), Elmer Bernstein (Los Diez Mandamientos , Los siete magníficos ) , Alfred Newman (La colina del adiós ), Bernard Herrman (Vértigo ) Erich Wolfgang Korngold (Las aventuras de Robin de los Bosques,), Max Steiner (Casablanca, Lo que el viento se llevó ), Mario Nascimbene (Salomón y la reina de Saba , Los vikingos ), Nino Rota (Guerra y paz, Las noches de Cabiria ) , Vangelis (Carros de fuego ) , John Williams (ET ), Basil Poledouris (Conan el bárbaro ) , Alan Silvestri (Juntos para vencer ) , Ennio Morricone (El bueno, el feo y el malo , La misión ) , John Williams (E.T , Star Wars ) , Jerry Goldsmith y tantísimos otros que supieron crear esa música capaz de identificar , sin dejar de servir , a una película .
En otras ocasiones, la melodía tiene una vida propia , ajena casi por completo a la película, como el tema final de “El rey de la comedia “ de Martín Scorsese ( que interpreta Van Morrison ) , o las melodías creadas por Mike Oldfield para “Los gritos del silencio “de Roland Joffe En la misma línea se enmarca Ry Cooder y su composición para “París, Texas “ de Wim Wenders , o las espléndidas canciones de Simon y Garfunkel contenidas en la famosa “El graduado “ de Mike Nichols .
   Otras veces , es un compositor anterior a la película quien es adaptado a la nueva creación , como el ya citado   Mahler (Muerte en Venecia, que también incluye a   Beethoven ) , Charlie Parker (Bird, de Clint Eastwood ) o los maravillosos Albinoni (Gallipoli , de Peter Weir ) o Pachelbel ( el famoso Canon que aparece en “Volver a empezar “).


Cine, música, arte, cultura , los territorios siempre inexplorados, siempre fascinantes de la belleza .
Cinemasmusic de la mano de Juan Ramón López y Llanos Salas, nos acercaron un pedazo de esa magia .

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LLAMADA DE LA SELVA . Fernando Alonso Barahona


 

La selva blanca, Jack London, la aventura en estado puro vuelve al cine en una nueva versión que pese a sus atractivos no hace olvidar las anteriores .

La llamada de lo salvaje está dirigida por Chris Sanders con un reparto encabezado por Harrison Ford, Dan Stevens, Bradley Whitford, Karen Gillan,

 

El argumento es el clásico del relato original : John Thornton (Harrison Ford) es un lobo solitario que no quiere vivir cerca de nadie. Es la década de 1890 y las salvajes tierras de Canadá y Alaska viven la fiebre del oro. Allí, en el Yukón, Thornton conoce a Buck, un perro que ha pasado de tener una vida doméstica y placentera a ser secuestrado para convertirlo en un perro de trineo por los buscadores de oro, que no tendrán ninguna compasión con él. A pesar de haber recuperado sus instintos primitivos después de haber sufrido, este perro único y singular se convertirá en el compañero de viaje de Thornton. Juntos vivirán una aventura irrepetible en el último rincón de la tierra, más allá de los mapas, para así llegar a donde nadie antes había llegado

La novela de Jack London (San Francisco, 1876 – Glen Ellen, 1916) publicada en 1903 , es una de las más famosas en el género de aventuras . El principal protagonista es sin duda Buck, un perro pastor de gran vigor y poderío que vive confortablemente en una mansión de California . Pero es secuestrado para ser vendido como perro de trineo en los fríos páramos de Alaska durante la denominada «fiebre del oro». La llamada de lo salvaje narra la dura lucha por sobrevivir en un mundo hostil y salvaje donde Buck sufre el maltrato de los hombres, de los otros perros y de la naturaleza misma. Finalmente, gracias a su instinto, a su fuerza, y a las lecciones aprendidas, Buck consigue destacar como líder, y recuperar la confianza hacia el ser humano gracias a John Thornton, su último amo. La aventura terminará con un tremendo desenlace que no vamos a desvelar aquí pese a la popularidad de la novela .
La llamada de la selva ( 1935 ) es la primera versión cinematográfica dirigida por William A. Wellman con Clark Gable, Loretta Young, Jack Oakie, Reginald Owen . Bella fotografía en blanco y negro, acción un tanto resumida y una presencia fuerte de los matices románticos caracterizan esta notable película que protagonizaron Gable ( antes de Lo que el viento se llevo ) y Loretta Young .

La mejor adaptación es La Selva Blanca una película dirigida en 1972 por Ken Annakin con Charlton Heston, Raimund Harmstorf, Michèle Mercier, George Eastman,Sancho Gracia, Alfredo Mayo , María Rohm , Juan Luis Galiardo.

La obra , bastante fiel a la novela de London, fue una complicada coproducción entre cinco países, España entre ellos . Un rodaje muy complicado en escenarios naturales que cuenta Heston en sus Diarios ( con el colapso de Juan Luis Galiardo que hubo de ser evacuado del rodaje ) y una maravillosa fotografía que capta a la perfeccion la dureza y a la vez la belleza del escenario y de la historia . El perro Buck destaca sobremanera pero un gran Charlton Heston impone su carisma y su fuerza al personaje de Thornton . La película fue un éxito en España pero no gozó de buena distribución en Estados Unidos .
Ahora llega la tercera versión con un Harrison Ford demasiado veterano para el personaje protagonista pero sin duda con su carisma personal aún casi intacto . El personaje humano narra su propia experiencia y la de Buck en una curiosa simbiosis , en la nueva versión el animal sobrepasa el protagonismo de Ford ( que realiza una notable interpretación ), mientras que en la de 1972 era Charlton Heston el protagonista por encima del perro . Otra diferencia sensible es que la versión anterior extiende el relato con los avatares de la fiebre del Oro y explora el territorio “ western “ mientras que la actual se ciñe tan solo a la aventura en la nieve y la relación animal/dueño . Todo más sencillo, aunque tal vez menos colorido .

La dirección de La llamada de lo salvaje corre a cargo de Chris Sanders, autor de cintas animadas como Lilo y Stitch, Cómo entrenar a tu dragón y Los Croods. El guion es de Michael Green y aunque sigue la trama original, ésta queda suavizada por el público familiar al que v destinada la película y por los efectos de ordenador que privan a la imagen del poderío de las versiones anteriores , sobre todo la de Charlton Heston dirigida por Ken Annakin
Como ha escrito Juan Manuel González La película, al fin y al cabo, es el viaje hacia lo desconocido de dos almas quizá no gemelas, pero sí definitivamente complementarias y afines en su búsqueda de lo desconocido, aunque ello suponga un camino sin retorno.

Pese a todo, esta nueva llamada de lo salvaje posee el encanto de la aventura de la naturaleza y su indudable mensaje positivo . Merece la pena aunque los efectos digitales ( que incluyen al perro que se convierte en criatura digital ) priven a a la película del encanto auténtico y más natural de la película de Annakin con Charlton Heston y un perro Buck de verdad que llenaba la pantalla sin necesidad de efectos especiales .

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